이 글은 1970년대 초에서 현재까지 미국에서의 구술예술연구가 어떻게 진행되어 왔는지를 비판적으로 소개한다. 먼저 연행론의 대두와 함께 미국학자들 사이에서는 거의 쓰이지 않게 된 구비(구술)문학이라는 용어의 모순을 지적하고, 종래의 텍스트 중심적 연구를 비판하며 언어의 예술적 실행을 강조하는 연행중심적 접근법을, 이를 이해하는 데 핵심이 되는 용어와 더불어 소개한다. 구조주의적 언어학의 입장과 달리 퍼포먼스를 창조적 실행으로 보는 이 접근법은, 연행에 대한 강도와 범위에 대한 다양한 발화 공동체의 변별된 시각을 강조하는 경험적 연구라는 점에서 민족지와 깊은 연관을 맺고 있다. 실제 연행현장에서 발현되는 예술성을 문화적 특수성에 입각하여 연구하는 구술시학의 민족지는 민족지학적 현지조사와 원래의 연행에 충실하게 전사하고 번역하는 것을 핵심으로 하는 이론적 방법론적 접근이다.

This paper is an introduction to and critical review of studies on verbal art in the United States from the early 1970s to this day. This study starts with pointing out the oxymoron of the term ‘oral literature’, which lost currency among most ethnographically oriented scholars with the advent of the performance-centered perspective. In turn, it introduces terminology such as verbal art, performance, and oral poetics, essential to this new perspective that refashioned the text-centered perspective to the practicecentered one, emphasizing artistic uses of language in everyday life and formal performance settings. Sharing perspectives from sociolinguistics developed by challenging structural linguistics, the performance-centered approach highlights the performance itself as a creative accomplishment rather than neglecting it as mere error, as in Chomskian linguistics. Insofar as the approach emphasizes heterogeneity of diverse speech communities and their different views on performance, the performance-centered approach rests closely upon ethnographic research. In particular, the ethnography of oral poetics seeks the aesthetics revealed in actual performance events and defined culture-specifically, and emphasizes ethnographic fieldwork and faithful transcriptions/translations of the original performances. The performance-centered approach has been in continuous dialogic process while expanding its perspectives in response to criticism from outside and within.