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불어불문학연구검색

Etudes de Langue et Litterature Francaises


  • - 주제 : 어문학분야 > 불어학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-4350
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 116권 0호 (2018)
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L’Arret de mort, le premier recit de Blanchot, paru en 1948, marque la transition du roman au recit chez Blanchot. Le recit, selon lui, commence la ou le roman s’arrete. Alors que le roman est une relation des evenements qui ont lieu reellement, le recit ne relate que lui-meme. Le recit n’est pas la relation de l’evenement, mais cet evenement meme. Le seul episode du recit est celui de la rencontre impossible d’Ulysse et du chant des Sirenes encore a venir. L’evenement du recit est a proprement parler l’indicible, et faire un recit devient impossible. L’Arret de mort, fidele a cette definition du recit, raconte l’indicible, multiplie les strategies narratives pour se poursuivre malgre tout. Le discours se dedouble d’un meta-discours et s’organise autour du mode deceptif par retardement, ambiguïsation, rature et annulation. Le secret s’annonce mais ne se precise jamais, ainsi vide de tout contenu, le recit se reduit au statut d’un pur signifiant comme le chant des Sirenes toujours a venir. L’Arret de mort, a cause de l’indecidabilite fonciere de son titre et sa narration a fait l’objet d’une lecture deconstructive et a ete salue comme une structure du recit en deconstruction par excellence. Mais quel est le sens de cette deconstruction? Toutes ces caracteristiques du recit- impossibilite, indecidabilite, ambiguite, creusement du sens jusqu’au vide - sont aussi des elements constitutifs des deux mythes- le chant de Sirenes et le regard d’Orphee - reinterpretes par Blanchot comme mythes de l’experience originelle de l’oeuvre. L’Arret de mort serait donc le metaphore de l’ecriture et pourrait se lire comme recit du recit. Le recit est un lieu de l’indecision la plus dangereuse par laquelle l’essence du langage est radicalement remise en cause. Dans le recit se deploie le dehors ou “on meurt”, la ou on touche le fond d’impuissance et on est livre au non-vrai. Mais l’insignifiant, l’inessentiel, l’erreur pourrait a celui qui en accepte le risque et s’y livre sans retenue se reveler comme la source de toute authenticite. C’est pourquoi l’espace litteraire de Blanchot tend vers ce dehors ou l’oeuvre est a l’epreuve du desoeuvrement eternel.

『에렉과 에니드』의 ‘다시쓰기’ 구조 분석 : ‘문학적’ 결혼모델의 발견

김정희 ( Kim Jeong Hee )
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Le milieu aristocratique de la seconde moitie du XIIe siecle est traverse par le conflit entre deux modeles matrimoniaux : a savoir le modele ecclesiastique et le modele laïque. Erec et Enide, qui raconte une histoire tumultueuse d’une mesalliance d’un fils du roi, semble refleter le desarroi du milieu aristocratique devant la progressive christianisation du mariage, en particulier les inquietudes face au principe du ‘consentement mutuel’ qui reduit considerablement le pouvoir du chef de famille sur le mariage. Partant de ce constat, nous avons essaye de lire Erec et Enide comme une quete d’un nouveau modele matrimonial. Si les etudes precedentes ont analyse en soi une serie d’aventures qui suivent la crise de mariage, nous avons cherche a les interpreter en rapport avec une serie d’aventures prenuptiales. Cette approche est fondee sur la decouverte de correspondances entre ces deux serie d’aventures des deux cotes de la ceremonie de mariage. L’analyse des episodes analogiques nous a amenee a degager le schema de reecriture interne. Le recit d’aventures apres mariage constitue en quelque sorte la reecriture du recit d’aventures prenuptiales, renouvelant par la la conception d’un bon mariage qui preside la premiere partie du roman. Cette reecriture est, a notre avis, une tentative litteraire de demontrer la limite et la contradiction interne des deux modeles matrimoniaux de l’epoque et d’en proposer un nouveau. La transfiguration de femme devenue desormais un sujet a part entiere, le mariage fonde sur l’amour reciproque entre les conjoints parfaitement egaux et le couple enfin sorti de l’isolement afin de devenir la source de la joie pour tous sont quelques traits marquants de ce nouveau modele. Nous pourrons l’appeler un modele litteraire dans la mesure où il ne peut exister a l’epoque de Chretien de Troyes que dans un texte litteraire.

베르나르-마리 콜테스의 『서쪽 부두』에 나타난 ≪ 거래 ≫의 세계

문경훈 ( Moon Kyung-hoon )
5,900
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본 연구는 베르나르-마리 콜테스의 『서쪽 부두』의 중심 테마 중의 하나인 « 거래 »의 문제를, 거래의 대상과 방식에 대한 분석과 거래의 당사자인 등장 인물들의 욕망에 대한 분석을 통해서, 거래를 통해서만 살아갈 수 밖에 없는 현대 자본주의 사회의 어둠과 황폐함을 어떻게 극적으로 형상화 하는지를 드러내고자 한다. 현대 자본주의 사회의 소외를 상징하는, 뉴욕의 허드슨강 건너에 있는 버려진 부두 창고 속으로 도시 중심부에서 살던 콕과 모니크가 들어오면서 극은 시작한다. 이들의 난입은 황폐한 창고를 탈출하려는 인물들의 욕망을 자극하고, 이들은 자신들의 원초적 결핍을 채우기 위해 타인과 삶을 건 거래를 하게 된다. 여기서 우리가 주목해야 할 점은 거래의 대상이 되는 물건들은 자동차 열쇠, 고급 라이터 뒤퐁, 롤렉스 시계, 자동차 점화플러그, 자살을 위한 도움, 그리고 클레르의 몸이다. 다시 말해서, 그들의 거래에 있어서 거래의 대상물에는 한계가 없다. 핍박한 삶의 굴레를 상징하는 부두 창고에서 벗어나기 위해서 인물들은 타인과 끊임없이 거래를 한다. 각 인물들의 생존의 문제는 타인과 긴밀하게 연결되어 있기 때문이다. 이러한 의존 관계는 그물망의 형태로 연쇄하며, 거래의 장소인 부두 창고는 욕망의 시장으로 변모한다. 그런데 최종적인 거래가 성사되기 전에 협상이라는 과정이 필연적으로 선행한다. 물건의 교환을 위한 언어의 교환 과정에서 인물들의 숨은, 때로는 음험한 욕망이 드러난다. 또한 거래의 결과로 발생하는 거래 대상물, 즉 오브제의 순환은 인물들의 상호의존관계를, 그리고 이 인물들의 욕망을 상징적으로 보여준다. 여기서 주목해 할 점은 교환의 대상물은 자신의 사용가치를 잃어버리고 교환가치로서만 존재한다는 점이다. 이처럼 자신의 모든 것을 걸고 거래해야 하는 『서쪽부두』의 세계는, 인간 욕망의 냉정한 교환법칙으로 지탱하고 있는 자본주의의 모습을 암시하고 있다. 이런 냉엄한 거래의 그물망에서 벗어난 유일한 인물이 있는데, 바로 아바드이다. 타인의 말을 듣기만 하고 자신의 욕망을 내비치지 않는, 어쩌면 인간적인 욕망이 없어 보이는 아바드는 자신에게 선물처럼 주어진, 다시 말해서 거래의 결과로 얻지 않은, 소련제 칼라시니코프 총으로, 부두 창고의 인간 군상을 대표하는 샤를르와 콕을 죽이고 극을 마무리한다. 계시록의 이미지는 가진 아바드의 존재는 현대 자본주의 세계가 야기한 어둠에 대한 은유적 고발과 도전 혹은 반항의 현현이다.
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Parmi les Nouvelles orientales de Marguerite Yourcenar, se trouvent L’homme qui a aime les Nereides et Notre-Dame-des-Hirondelles qui constituent le cycle grec. Dans ces deux nouvelles apparaissent les Nymphes de la nature, ou Nereides, qui fonctionnent de facon antagoniste ou comme un motif d’evenements majeurs. En fait, la mythologie grecque est essentielle pour les Europeens, fondatrice dans l’histoire de l’origine de l’Europe, et les Nymphes ou Nereides sont des figures mythologiques bien connues dans la culture occidentale. Mais nous nous demandons pourquoi M. Yourcenar les a mises dans ses Nouvelles orientales. Afin de resoudre cette question, notre etude a examine tout d’abord l’origine du texte, puis observe comment les deux Greces, a savoir celles d’Orient et d’Occident se revelent, a travers le mythe des Nymphes, dans chaque oeuvre. Premierement, la foi, la sensualite et l’emerveillement des villageois pour les Nereides, dans L'Homme qui a aime les Nereides, sont contraires aux valeurs du monde chretien europeen. Le mythe des Nymphes provenant de l'ancien paganisme s’oppose a la morale chretienne qui punit la joie corporelle et defie la nature. La mythologie de la Grece antique, comme fondement de l’histoire de l’Occident, a ete largement restreinte par la culture chretienne centree sur le logos. Par contre, les villageois grecs des annees trente ne reprouvent pas la foi naturelle, l’erotisme ni le sens de l’emerveillement paien. On peut dire qu’il s’agit de l’espace anime de mythos. Deuxiemement, au debut de l'ere chretienne medievale, les Nymphes sont en conflit avec le moine Therapion dans Notre-Dame-des-Hirondelles. Le gardien fidele de l'eglise tente de les chasser en reliant leur nature sensuelle au peche originel. La Vierge Marie transforme alors en hirondelles les Nymphes menacees par le moine et reconcilie ainsi la culture paienne et la culture chretienne. Tout cela temoigne du syncretisme religieux. Par consequent, M. Yourcenar inclut, au sein de la topographie hellenique, la mythologie paienne profondement enracinee dans la nature de la Grece. On peut dire que M. Yourcenar est une nouvelle helleniste, puisqu’elle met en evidence l’hybridite de diverses cultures dans le monde mediterraneen et qu’elle tente de faciliter la comprehension interculturelle en tant que croisement entre l’Occident et l’Orient, au-dela des ideologies occidentales qui restreignent le champ de hellenisme grec.

모리스 세브의 『델리』에 나타난 ‘극복하지 못할 고통’의 시학

손주경 ( Sohn Joo-kyoung )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 121-151 ( 총 31 pages)
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Cette etude a pour objet d'analyser la maniere poetique de chanter le mal d'amour insurmontable dans la Delie, objet de plus haulte vertu de Maurice Sceve. Compose des 449 dizains ornes de 50 emblemes, le recueil est longtemps juge “a peu pres illisible”, puisqu'il cree une temporalite suivie la ou l'homme ne peut se saisir que dans la discontinuite. Sceve y met en relief l'aspect sentimental et psychologique, comme il temoigne de la disparition de l'ideal platonicien au profit d'une gloire plus individualiste. Mais cette gloire deviendra bientot un autre nom de la misere amoureuse par l'ecriture erudite qui amalgame le ‘je’ au ‘tu’. Plus le corps et le desir physique du poete participent a un desir plus eleve, plus ils egarent l'amant dans les tortures de l'inassouvissement. Pourtant comme le dit la devise “Souffrir non souffrir” qui joue sur l'ambivalence d'une souffrance, le lien entre les amants est si fort que meme la mort ne peut le rompre. L'absence de l'amante signifie chez Sceve sa presence a l'interieur du desir du poete. Bien qu'il tente de s'echapper aux yeux cruels de sa Dame, il n'aura aucune chance de s'en sauver. Delie est le lieu de la coïncidence des contraires. Elle est l'incarnation d'une figure qui renforce une autre figure a laquelle elle s'oppose. C'est pour cette raison que le poete a du dire que “En sa beaute git ma mort et ma vie”. Et cet antagonisme entre mort et vie finit par se resoudre dans l'objet poetique qui est certes “objet de plus haulte vertu”. La question du salut et des fins derniers est evacuee du chant poetique scevien. Tout en recourant a des mots ambigus et hermeneutiques, le poete lie et delie les limites des choses pour les fondre dans l'espace poetique ou se manifeste le desir d'un amour d'une autre nature, epure, obsessif et totalitaire dans les dizains de decasyllabe qui constituent une inclusion mutuelle des deux forces apparemment contradictoires.

들뢰즈와 콜테스 『로베르토 쥬코』

송민숙 ( Song Min-sook )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 153-176 ( 총 24 pages)
5,900
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Nous voudrions relire Roberto Zucco de Koltes en nous appuyant sur Un manifeste de moins de Deleuze et Kafka de Deleuze et Guattari. Dans Un manifeste de moins, Deleuze examine Richard III de Carmelo Bene. Nous croyons que Deleuze y explique ce qu’est le theatre 'mineur'. Deleuze remarque que dans Richard III, a l’exception de Gloucester, Bene elimine tous les principaux personnages masculins. Ce qui lui permet de retrouver les potentialites de devenir pour faire un theatre de la non-representation. Au niveau de la langue, Deleuze distingue celles qu’il qualifie de majeures et celles de mineures. Les langues majeures seraient des langues de pouvoir alors que les langues mineures des langues a variabilite continue. Dans Kafka, Deleuze et Guattari expliquent qu'une litterature mineure n'est pas celle d'une langue mineure, mais plutot celle qu'une minorite fait dans une langue majeure. Les trois caracteres de la litterature mineure sont la deterritorialisation de la langue, le branchement de l'individuel sur l'immediat-politique et l'agencement collectif d'enonciation. Autant dire que 'mineur' ne qualifie plus certaines litteratures, mais les conditions revolutionnaires de toute litterature au sein de celle qui est qualifiee de grande(ou d’etablie). Roberto Zucco de Koltes se compose de 15 scenes episodiques. L’ecriture dramatique offre un aspect de rhizome. La singularite de cette oeuvre est la fuite du tueur Roberto Zucco et la continuite de son mouvement. L’ecrivain supprime tous les elements representant le pouvoir public et l'oppression par une serie de meurtres de son heros. Zucco detruit sa propre famille, porte malheur a la famille d'une petite fille, s'evade de prison, tue un inspecteur et un enfant. Zucco est un personnage revolte, subversif, un nomade criminel en perpetuelle fuite. Ainsi pourrait-on considerer Roberto Zucco comme un homme de guerre contre de l'Etat, puisque Koltes lui attribue une suite d'images de heros.

사랑/죽음으로의 도피 - 장 아누이의 『메데Medee』 연구

신은영 ( Shin Eunyoung )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 177-204 ( 총 28 pages)
6,300
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Le but de ce travail est d'analyser, base sur l’aspect de l’evasion, Medee de Jean Anouilh. L’evasion est un theme interessant parce que la revolte anouilhienne contre la condition humaine pourrait etre concretisee par l’acte de fuir de ce monde dechu. La fuite a commence par l’amour, qui est une voie d’evasion dans la mesure ou on s’oublie dans l’etre aime. Or des le commencement, il y avait une limite parce que c’etait une sorte de l’amour de soi-meme, et que leur ideal d’amour est presente comme une amitie entre les petits freres ou les soldats. En plus Jason a brusquement senti Medee comme un fardeau. Cette deformation de l’amour est d’autant plus absurde qu’il n’y a aucune raison precise. Le tragique anouilhien se trouve dans le fait que toutes les valeurs, y compris l’amour, s’alterent par la duree meme de la vie. La fin de leur amour signifie celle de leur fuite. Jason decide d’accepter le monde, les compromis des hommes. Ce qu’il espere du mariage avec Creuse, en abandonnant Medee et leur evasion, c’est le bonheur, c’est-a-dire le renoncement a l’ideal de purete pour s’adapter au relatif et au quotitien. Ce bonheur n’est pas possible pour Medee qui est ‘delivree’ et ‘redevenue Medee’ par leur separation. Cela veut dire qu’elle a retrouve son identite heroique qui est reliee inevitablement a son nom mythique. Contrairement au mythe ou Medee reprend son evasion, Medee d’Anouilh choisit la mort. Pour cette heroine qui ne veut ni peut accepter la condition humaine, la mort est a la fois le refus et l’evasion de la vie. Or ce qui est remarquable dans ce denouement, c’est son absurdite et sa gratuite. Puisque Medee n’aime plus Jason depuis longtemps, il n’existe pas de motif psychologique pour la vengeance qui entraine le massacre de ses enfants. Une fracture s’installe ainsi entre la logique du mythe et celle de l’action dramatique anouilhienne. Si elle s’obstine a la vengeance et a la mort, c’est qu’elle est condamnee a jouer le role par son nom mythique qui ne lui permet pas de fuir dans le monde dechu. Elle choisit donc une mort volontaire. Pourtant la vie mediocre continue meme apres sa mort, ce qui est montre par la derniere scene. Le tragique du monde anouilhien se trouve donc dans le fait que la liberte ou le choix des personnages se reduit souvent au simple role predetermine qu'ils doivent assumer. Il en est de meme pour l’auteur qui est lui aussi prisonnier du sujet qu’il a choisi et oblige de reprendre la tradition litteraire mythique. Par cette dramaturgie de l’absurdite et de gratuite, il acheve le tragique de son monde theatral.

시, 선물, 정의: 데리다와 보들레르 - 데리다의 『시간 선물』을 중심으로

심재중 ( Sim Jae-jung )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 205-235 ( 총 31 pages)
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Cette etude a pour but d’eclairer les rapports entre la poesie et la justice en s’appuyant sur la logique du don et de la justice presentee par Jaques Derrida dans son livre Donner le temps, dont le sous-titre est ‘la fausse-monnaie’, titre d’un poeme en prose de Ch. Baudelaire. Derrida analyse d’abord ‘donner le temps’, une expression idiomatique française employee comme titre meme de son ouvrage, et puis Essai dur le don de Marcel Mauss, pour argumenter que le don comme tel ne peut pas etre present dans le cercle du temps de l’economie; il n’y a don qu’a condition de rompre ou perturber le cercle de l’economie, donc le don est l’impossible. Il laisse seulement des traces de l’acte de donner comme performance dans le texte dont la structure d’operation est celle de la fausse-monnaie. Derrida demontre ensuite, par une lecture du poeme “La fausse monnaie” de Baudelaire, que l’ecriture poetique constitue elle-meme un essai du don impossible. Autrement dit, le poete repond par l’ecriture poetique a une tache presque impossible, a une sorte de double contrainte, qui consiste a faire entrer l’autre comme absolument autre dans l’economie des signes linguistiques. Il ne reste finalement de cet essai du don impossible que le texte poetique comme fausse-monnaie. Ce que donne le texte poetique comme fausse-monnaie, c’est l’acte de donner comme oeuvre, performance. Le texte poetique nous donne l’experience de la pensee, du plaisir ou de l’ivresse declenchee par un evenement, c’est-a-dire par l’arrivee (im)possible de l’autre en tant que tel. Le tabac, l’Icare, les cendres et les yeux, ce sont les figures par excellence qui mettent en scene, dans la poesie de Baudelaire, cette structure aporetique du don et de la poesie. En somme, pour Derrida comme pour nous, la poesie est une lutte pour restituer ‘la justice comme relation a l’autre’ qui est la condition de l’historicite de l’histoire.

폴 니장의 『아덴 아라비아』: 호모 에코노미쿠스를 거부하는 젊음

오은하 ( Oh Eun Ha )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 237-270 ( 총 34 pages)
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Le premier livre de Paul Nizan, Aden Arabie, constitue un temoignage irremplaçable sur le desarroi des jeunes de l'entre-deux-guerres, qui vivaient en pleine revolte, en pleine mise en question des valeurs bourgeoises. Et la rehabilitation inattendue de ce livre aux annees 1960 nous fait demander sur sa raison de succes de ces deux periodes. Afin d’aborder ce sujet, il nous semble crucial son dernier chapitre, consacre a la critique sur “Homo Economicus”. Dans ce portrait tres impressionnant de Homo Economicus, isole et narcissique, Nizan critique moins son materialisme et egoïsme que son incapacite de jouir, n’ayant aucune satisfaction excepte quelques illusions du bonheur. De plus, ces hommes qui ressemblent plutot a une machine a calculer ou un appareil automatique, tentent de conquerir les derniers vivants, “l’homme reel” selon Nizan. Ces critiques nettes et agressives, les jeunes de la generation 68 les font les siennes. Ce qui unit ces jeunes gens de deux generations, malgre des situations differentes, c’est leur angoisse, principalement occasionnee par l'ennui et le degoût envers l’ordre use de l’Occident etouffant. L’exigence fondamentale a la ‘vraie vie’, caracteristique a la jeunesse, les rend a resoudre de lutter contre Homo Economicus “pour les hommes”.

‘책을 읽는 하층민’ 쥘리엥 소렐의 독서 연구 - 『적과 흑』

유기환 ( Yu Ki-hwan )
한국불어불문학회|불어불문학연구  116권 0호, 2018 pp. 271-303 ( 총 33 pages)
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Alberto Manguel a avoue, dans son oeuvre celebre A History of Reading, qu'il avait connu le monde plus souvent en lisant des livres qu'en vivant une vie reelle. C'est aussi le cas de Julien Sorel, heros du Rouge et le noir : la lecture concernant Napoleon Bonaparte decide en effet la pensee et l'action de ce jeune homme, nous semble-t-il. Au demeurant, il serait impossible de definir l'identite de Julien sans considerer sa lecture et son intelligence. Avec Eugene de Rastignac du Pere Goriot, Julien Sorel represente les jeunes heros romanesques qui se caracterisent par l'ambition sociale dans la litterature française du XIXe siecle. Pour s’elever, Eugene profite de son « sang bleu » : ses parents et ses allies aristocrates l'aident a ouvrir les portes du monde parisien. Mais Julien n'a ni sang bleu ni argent. Neanmoins, il devient precepteur des enfants d’un maire, secretaire d'un grand seigneur, lieutenant du regiment de hussards ou encore amoureux de femmes aristocrates. Comment est-ce possible ? La lecture et l'intelligence seules l'expliqueraient. Julien est un plebeien exceptionnel qui lit des livres et connaît le latin. Cet article a pour but d’examiner quelle influence la lecture exerce sur la vie de Julien Sorel. Nous l’avons divise en quatre chapitres. Le premier chapitre porte sur la relation entre la lecture et l'education. La lecture est le moyen d'education le plus important pour l'autodidacte qu’est Julien : le savoir transforme un jeune plebeien en homme ambitieux. Le deuxieme chapitre eclaire la relation entre la lecture et la societe. Le moteur essentiel qui dirige l'ascension sociale de Julien, ce n’est pas l’assistance des femmes mais la lecture des livres. Le troisieme chapitre examine la relation entre la lecture et la politique. La lecture approfondit la pensee politique de Julien contre la Restauration : on pourrait voir la naissance du « vrai intellectuel » au sens que Sartre donne a ce mot. Le quatrieme chapitre etudie la relation entre la lecture et l'amour. La lecture guide la vie amoureuse de Julien : il confond l'amour avec le combat, ce qui resulte de sa lecture des livres concernant Napoleon. La conclusion consiste alors a souligner que la lecture et la reflexion permettent a Julien d'appartenir a ce groupe, dit « the happy few » dont Stendhal parle a la fin de La Chartreuse de Parme.
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