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불어불문학연구검색

Etudes de Langue et Litterature Francaises


  • - 주제 : 어문학분야 > 불어학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-4350
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 87권 0호 (2011)

샤토브리앙의 『아메리카 여행』과 묘사

강경란 ( Kyoung Ran Kang )
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Voyage en Amerique de Chateaubriand est une œuvre qui montre bien les caracteristiques generales de ses recits de voyage et sa vie comme voyageur. Cette œuvre est composee des types de discours comme journal, lettre, annotation, episode, meditation, description etc. Et bien, la description est la plus essentielle de ces discours differents. C`est aussi grace a la description que l`œuvre a sa juste valeur litteraire et sa modernite. Nous visons donc a etudier la description, particulierement la description du paysage dans l`œuvre, sur le plan poetique et le plan narratif. Elle tient une place centrale dans l`œuvre, et entretient aussi des liens privilegies avec l``ecriture de Chateaubriand. Nous nous apercevons que la description est liee etroitement a la poetique de l`œuvre. Elle accorde un caractere poetique et esthetique au texte. C`est a dire, elle agrandit l`espace poetique en creant une image poetique. La description du paysage est comme une poesie descriptive. Le paysage americain invite le voyageur a rever, imaginer et arriver a l`aventure spirituelle. Ce qui ressort de la description du paysage, c`est avant tout l`emotion poetique et esthetique. Nous pouvons ici deceler l`esthetique romantique de Chateaubriand. En realite, il multiplie les signes qui apparentent ses recits a des poemes directement ou indirectement. Ensuite, nous nous apercevons que la description a pour fonction de developper des themes et former la structure narrative. Elle remplace le recit interrompu en diminuant la rupture temporelle et spatiale entre les fragments. Elle unit aussi les textes en portant des themes repetitifs. Elle devient souvent le debut d`un recit et la matrice du texte. Les deux themes principaux que la description developpe sont le theme de bon Sauvage et le theme de mort. Ils s`associent bien et se distribuent partout dans l`œuvre. Le theme de bon Sauvage se realise dans la description du beau paysage sauvage et la description de la coutume indienne. Et le theme de mort se realise dans la description du cimetiere et la description des ruines. En conclusion, nous nous apercevons que la description est a plusieurs titres essentielle, tres souvent en position dominante dans Voyage en Amerique. Elle est surtout element producteur de sens et de formes, qui contraint fortement les modalites de la reception du texte.

미셸 트랑블레의『누가 진짜야? Le vrai monde?』에 나타난 작가의 이미지

김도훈 ( Do Hoon Kim )
5,600
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Michel Tremblay ne cesse de re-ecrire l`image de soi dans ses metadiscours. Dans Le vrai monde?, Michel Tremblay re-ecrit son image d`auteur a travers l`aventure de son double, Claude. L`image d`auteur que Claude se donne est celle d`un dramaturge qui fait "un transfert"; le dramaturge se glisse dans ses proches pour devenir chacun d`eux, et c`est a l`interieur d`eux qu`il les interprete pour en faire ses porte-parole. Il construit ainsi un monde possible dans lequel chacun des personnages se voient assigner ses roles par un dramaturge absent de la scene. En ecrivant sa piece, Claude assume tantot le role du Messie, tantot celui d`Orestes. Il pretend liberer les femmes malheureuses de sa famille en brisant le silence qui pese lourd sur elles. Dans sa piece, il donne la parole a sa mere et a sa sœur. Elles peuvent ainsi briser le tablou pour se debarrasser du pere de famille qui est la cause de tous les malheurs de la famille. Tous les membres de la famille de Claude denonce, pourtant, sa lachete; alors qu`il se donne pour le Messie, il ne defends que sa cause, et c`est par jalousie qu`il reproche son pere d`etre un lache. Comme Orestes, il pretends venger sa mere et sa sœur d``un adultere et d``un viol commis par son pere, mais au fond, c`est lui qui veux tuer le pere a qui il ne veux pas se ressembler. Dans sa piece, Claude veux inventer son passe qu`il ne peux pas nier en realite. Michel Tremblay a dit qu``il a souffert de la culpabilite d`avoir "vempirise" ses proches pour faire une carriere dans le monde litteraire, et il a ecrit Le vrai monde? pour se debarrasser de la culpabilite. L`image d`auteur que Michel Tremblay se donne dans Le vrai monde? est un dramaturge debutant qu`il a ete en 1965. Heraud de la Revolution tranquille, il ne pouvait pas cacher son mepris pour le passe. Il a sacrifie ses proches pour les rendre les personnages de son drame. Dans Le vrai monde? les personnages parlent dans leurs noms, mais leur ``je`` est un ``Autre`` dans lequel ils ne peuvent pas se reconnaitre. C`est a travers la revolte des personnages contre un auteur lache que l`auteur de l`annee 1987 reflechit a son image d`auteur de l`annee 1965.

플로베르와 페렉

김명숙 ( Myoung Sook Kim )
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Perec comme lecteur devoue de Flaubert ne cache pas la grande influence que son maitre a eu sur lui. Ils partagent le meme desir de decrire le monde avec une passion impersonnelle. Ici nous mettons en lumiere Flaubert par Perec et reciproquement. Nous qualifions leur ecriture de ≪celle de la generation≫ et de ≪celle de la liste≫. Comme le dit Barthes, nous y decouvrons un exces de precision, une sorte d``exactitude maniaque du langage et une folie de la description. Ils ne cessent d`enumerer, de nommer, de compter et enfin de copier ce que leurs yeux saisissent. Ils ne peignent pas le monde mais le copient. D`ou vient une ≪langue pure≫ de Barthes. Les objets flaubertiens nous invitent a decrypter des connotations sociologiques ou psychologiques. Dans l`Education sentimentale, Flaubert consacre de belles pages a enumerer des objets quotidiens pour decrire son epoque. Il en va de meme des choses perecquiennes. Celles-ci fonctionnent comme un miroir qui reflete une generation comme le suggere le sous-titre de Les Choses, 《une histoire des annees soixante》. La description flaubertienne et le denombrement perecquien temoignent d`une ecriture eclatee. Bouvard et Pecuchet se lit comme le premier roman qui annonce l`eclatement du tout dans le monde romanesque: le temps, l`histoire, l`ordre, le personnage et le veridique. La vie mode d``empoi est aussi un ≪roman eclate≫. Une liste d`objets heteroclites dans Bouvard et Pecuchet qui se retrouve dans La vie mode d`emploi demontre l`antistructure de l`œuvre, son obscure et folle polygraphie. Le degre zero, ecriture ideale comme l`ultime reve de Flaubert est realise avec Perec.
5,700
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Dans Ces fruits si doux de l`arbre a pain, le dernier roman de Tchicaya U Tam`si, l`ecrivain retrace les premiers soubresauts socio-politiques du Congo independant a travers l`histoire tragique de la famille Poaty. C`est une tentative litteraire pour repondre a sa maniere au constat epistemologique de "L`Afrique va mal" qui se traduit dans ce roman par une metaphore de ``la boue``, c`est-a-dire par un monde des absurdites et des violences ou sont aneanties presque toutes les valeurs fondamentales de l`humanite, qu`elles soient traditionnelles ou modernes. Dans la premiere partie du roman, Raymond Poaty, un des ``evolues`` au Congo postcolonial, se revolte contre le pouvoir dictatorial pour devenir un sacrifice sur l`autel de la Justice. Dans la deuxieme partie, Gaston, le fils aine de Raymond Poaty, poursuit a son tour un itineraire pareil a la passion, au sens christique du terme, caracterise surtout par la transgression de l`interdit de l`inceste, pour finalement s`initier au monde des valeurs symbolise par le tchilolo. Ainsi on peut reconnaitre dans la figure du prophete fou ou celle de la bouc emissaire incarnee par Gaston, une certaine lumiere de la sagesse syncretique qui propose au noirs africains le metissage culturel entre les valeurs occidentales du progres et l`heritage spirituel de la tradition africaine.

롤랑 바르트의 글과 삶에서 프루스트가 갖는 의미

유예진 ( Yae Jin Yoo )
한국불어불문학회|불어불문학연구  87권 0호, 2011 pp. 103-121 ( 총 19 pages)
5,400
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Au premier coup d`œil, essayer de trouver une influence quelconque entre Marcel Proust, l`auteur d`une œuvre monumentale et ``unique`` de A la recherche du temps perdu et Roland Barthes, critique ayant prone le structuralisme dans les annees 70 semble aboutir a un resultat incertain et vain. Pourtant si nous regardons de pres les ecrits de Barthes, nous sommes agreablement surpris de faire face a de nombreux textes sur Proust. De "Proust et les noms" (1967) a "Proust et la photographie" (1980), passant par "Une idee de Recherche" (1971) et "Longtemps, je me suis couche de bonne heure" (1978), Proust est omnipresent dans les ecrits barthesiens. Cet article essaie d`analyser l`influence de Proust dans les ecrits et la vie de l`auteur du Degre zero de l`ecriture. Pour cela, nous relevons les traces de Proust dans les textes de Barthes. Cette recherche nous mene a comprendre que Barthes est un lecteur a vie du roman de Proust. Son regard passe de celui du structuraliste a celui d`un ``marcellien``, un amateur pure et simple de la Recherche. Les deux dernieres annees qu`il passe a ``preparer le Roman`` nous rappellent Marcel, le heros de la Recherche lorsqu`il decouvre sa vocation d``ecrivain et decide d`ecrire le roman dont le sujet est sa propre vie. En particulier, le dernier seminaire de Barthes qu`il n`a pas pu delivrer a cause de l`accident tragique qui lui a arrache la vie montre, de part le sujet annonce, la grande affection qu`il avait pour Proust pendant toute sa vie.

서구 연극에 등장하는 인간 혐오자 연구

이경의 ( Kyeong Eui Rhee )
한국불어불문학회|불어불문학연구  87권 0호, 2011 pp. 123-152 ( 총 30 pages)
6,500
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Depuis la creation du Misanthrope, Alceste etait le seul personnage theatral a incarner l`image d`un homme d`humeur bourrue et hypocondriaque. Pourtant la tragedie Timon d`Athenes, ecrite par le grand Shakespeare en collaboration avec un certain Thomas Middleton, abordait deja le theme de la misanthropie. Mais cette piece passa inapercue et ne fit jamais d`ombre a l`oeuvre de Moliere et a la renomee d`Alceste. Il fallut donc attendre 2008 et le concours de l`Agregation francaise qui choisit "la misanthropie au theatre" comme sujet d`examen pour detroner le monopole d`Alceste quant a l`incarnation du personnage misanthropique. Le Dyscolos, piece de Menandre dont le texte fut decouvert au milieu du XXe siecle, presente l`ancetre du misanthrope. Hofmannsthal, dramaturge autrichien et grand amateur de Moliere, a ecrit lui aussi en langue allemande une piece traitant la misanthropie. Ainsi la famille des misanthropes s`elargit et permet d`affirmer le caractere homogene et varie du theme. Selon la medecine antique, le corps humain se composait de quatre liquides: le sang, le flegme, la bile jaune et la bile noire. Parmi ces quatre liquides, c`est la bile noire qui provoque la colere et la melancolie. En effet, en depit de leur humeur noire, la pluart des misanthropes restent vulnerables face aux crises qu`ils rencontrent. Le cas le plus extreme est celui de Timon qui se suicida. Mecontents et decus de la societe mondaine, les misanthropes sont en enquete d`un endroit tranquille ou d`un lieu d``exil. Hormis le campagnard Cnemon, les trois misanthropes d`origine de haute condition sociale declinent la charge poitique offerte par leurs proches. L`espace theatral des misanthropes se devise en deux: lieu de rencontre et lieu d`evasion. Le salon mondain est l`espace le plus frequemment montre dans les pieces traitant la misanthropie tandis que la campagne reste l`endroit prefere des misanthropes. Pour Timon, la plage pres du bois devient son propre tombeau. Au terme d``une approche sur ces quatre pieces developpant toutes le theme de la misanthropie, nous constatons qu`Alceste de Moliere partage bon nombre de points communs avec ses homologues. D`autre part, bien qu`Alceste perde le monopole de renommee du seul et vrai misanthrope, il gagne ainsi l`image d``un personnage de misanthrope plus universel et moderne.
6,900
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Plusieurs des pieces de theatre de Ionesco ont pour origine ses nouvelles. En envisageant le passage de l``ecriture romanesque a l`ecriture scenique autour de sa nouvelle L`Oriflamme et sa piece Amedee, nous avons pu essayer la critique genetique de la piece, confirmer la reinterpretation creative de Ionesco sur la piece et saisir plus generalement la grammaire de la reecriture. Ses particularites de la transformation du genre peuvent se resumer ainsi. D`abord, par la reecriture, Ionesco cree la dramaturgie nouvelle en combinant le caracteristique classique et le caracteristique avangardiste. Par exemple, il obeit rigorieusement a l`unite du temps, un des elements de la dramaturgie classique, et envisage le procede realiste quant a la presentation des personnages et a la structure de la fable. Par contre, il garde l`aspect du theatre de l`absurde en inserant les situations fantastiques et grotesques ainsi que le grandissment infini du cadavre, la proliferation des champignons et l`envol merveilleux du heros. Deuxiemement, par la reecriture, il cherche a donner l`impression de relief au recit et a la scene. En d`autres termes, il evite le developpement chronique du recit, introduit ``le theatre dans le theatre`` qui exige plus d`attention du spectateur. Ce procede offre la dimension plurielle dans la piece en faisant jouer le role des heros par d`autres acteurs, et donne la cle qui permet de deceler le mystere de la piece par la recomposition du passe des heros. Troisiemement, il incarne au maximum l`image sensoriel par des signes materiels. Il cherche a transmettre le sujet de la piece par des signes sensoriels qui donne a percevoir immediatement au lieu de la parole qui explique et disserte. Il exprime ainsi le dechirement et la souffrance psychologique des heros par les objets comme le cadavre, les champignons et la pendule, et represente a travers l`eclairage et la musique, le changement du sentiment interieur des personnages par etapes. Ce prcede qui souligne la theatralite, stimule l`imagination esthetique du spectateur, et offre la possibilite de diverses interpretations sur la piece. La plupart des pieces reecrites se situe au milieu de la carriere du dramaturge. Cette periode est pour lui le moment d`avoir besoin de nouvelle dramaturgie, passant par l`ecriture du defi et de la deconstructoin. Ainsi, on peut dire que la reecriture est a la fois une experimentation esthetique pour se liberer de l`image fixe et le projet positif pour assurer la popularite.

몰리에르의 발레희극『조르주 당댕 George Dandin』에 있어서 전원 막간극의 형식과 역할

임채광 ( Chae Kwang Lim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  87권 0호, 2011 pp. 187-229 ( 총 43 pages)
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Ce qui retient notre attention par rapport a George Dandin de Moliere, c`est qu`il y donne l`impression d`avoir produit une œuvre ``double`` c`est-a-dire, melange de contraste violent de la comedie en prose ou un paysan marie a une demoiselle ``recite`` ses mortifications conjugales entrainees par l`infidelite de sa femme entichee de la galanterie du temps, et de la pastorale en vers dans laquelle les bergers feeriques ``chantent`` l`amour sincere et eternel. Le dramaturge n`hesite pas, d`ailleurs, a introduire un ecart de construction d`ensemble dans la production hybride de genre et de sujet en faisant alterner les actes de la comedie et les intermedes pastoraux sans continuite d`intrigue, ni motivation de la part des personnages. On se demande alors la raison pour laquelle il menage des contacts meme accidentels du monde de la comedie avec le monde de la pastorale dans l`œuvre en question. Il est interessant de noter que l`emploi juxtapose de l`antithese est capable de produire un reseau allusif de sens au second degre dans la succession et l`entrelacement des parties verbales et non-verbales, autrement dit, musicales et choregraphiques. L`œuvre prend, paradoxalement, plus de richesse de signification et de densite de nuance d`autant plus que la diversite d`intrigue entre deux parties est poussee a l`extreme dans la derniere sequence de son denouement, car la pastorale sert de ``miroir public`` qui renvoie sa veritable image au personnage comique sous la domination de l`amour-propre et de la betise. George Dandin dans sa version ``entiere`` se revele comme peinture ``complete`` du malheur social et de l`interieur vacillant chez le paysan parvenu qui vit, avec l`habitus preclassique, l`epoque de la pastorale. Ce qui constitue l`un des apports essentiels de l`intermede pastoral dans son rapport avec la comedie de realisme radical, c`est que la beaute et la force musicales et choregraphiques font oublier au personnage central, son premier spectateur, la gravite de la vie, et inspire la passion de l`amour. On peut apercevoir la presence de George Dandin dans le finale pastoral sous les traits du spectateur, comme toujours, insensible, mais qui ne quittera pas la scene jusqu`a la chute du rideau. Moliere parvient a, en effet, se diriger vers l`opera dans l`intermede par l`emploi exclusif des elements non-verbaux, tandis qu`il ose, au-dela de la liaison logique, la construction implicite du sens entre la comedie et la pastorale, et ceci par le moyen du commentaire fourni par l`opposition meme des deux genres. S`il fait l`objet du malentendu par rapport a un defaut de construction dramatique dans son George Dandin, c`est parce qu`on ne se rend pas compte de l`effet expressif de juxtaposition des arts. Dans cette perspective, il sera injuste de dire que George Dandin, comedie en musique et ballet, n`est qu`une simple comedie fabriquee pour une fete de cour. On pourrait enfin soutenir que Moliere reussit ici a resoudre des problemes eventuels de dissonance artistique et de conflit de sens entre les differents arts, et, par la, a creer une production comique novatrice qui met sensiblement en lumiere la complexite de la nature humaine tragique et comique a la fois.

보들레르의 사실주의 연구 1 (전기前期)

정명희 ( Myung Hee Jung )
한국불어불문학회|불어불문학연구  87권 0호, 2011 pp. 231-263 ( 총 33 pages)
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Apres que le systeme de classes sociales etait aboli par la Revolution, depuis la revolution de juillet 1830, la bourgeoisie prend l`initiative sociale et economique en France. Avec le developpement industriel, des manufactures et des artisans familials disparaissent de plus en plus, et dans le processus de deplacement en systeme d``usine, plusieurs problemes socials, par exemple, l`augmentation des paysans qui ont quittes leurs pays natals, le prolongement d`une duree du travail, le raidissement de labeur, l`etablissement d`une loi protectrice se produisent successivment. En ce milieu l`idelogie socialiste nait. L`optimisme de Saint-Simon qui annonce l`arrivee de la societe de l`industrialisme par l`industruel, et la theorie de l`harmonie universelle de Fourrier que l`on a cru l`harmonie naturelle des relations entre le proprietaire et l`ouvrier etaient comme l`evagile aux ouvriers qui se tourmenaient par le travail trop dur et par les revenus faibles. L`ideologie socialiste de Saint-Simon et de Fourrier se reflete dans les ecrits de jeune Baudelaire. En utilissant l`idee de l`harmonie en 1845, et les idees de l`industriel, de l`harmonie universelle, de l`equillibre, et de l`unite en 1846 dans la categorie socio-reelle, il cherche a ameliorer des relations entre l`art et le bourgeois. Pourtant l`inclination socialiste du critique Baudelaire est differente de celle des autres critiques humanitaires en ce qu`il prefere le present. non la fuite vers un age d``or situe dans l`avenir. Cette contemporaneite le conduit au republicanisme et au realisme. Pour cette raison, il frequente les realistes Pierre Dupont, Gustave Courbet et Champfleury qui accordent beaucoup d`importance aux ouvriers et aux paysans, et il est d`accord avec le mouvement realiste. Le groupe realiste se forme parmi les camarades qui sont d`accord pour etablir une societe nouvelle autour du periodique Corsaire-Satan. Des que la revolution de fevrier eclate, Baudelaire commence a s`interesser a Prouhdon et il agit comme jeune homme revolutionnaire pendant la duree courte de la deuxieme Republique. En meme temps, il publie successivement des essais critiques qui presentent l`esthetique d`engagement socio-politique dans l`esperance pour le realisme. On peut lire dans ces essais le souhait pour la revolution culturelle par l`art qu`il est impossible a separer de l`utile et de la morale. Avec cela, dans les poemes qu`il publie, il tente la poetique realiste comme une solution pour surmonter l`echec de la revolution de fevrier. Ces poemes contiennent l`interet, la sympathie, la consolation pour les marginals de la societe, et aussi le message de l`espoir que le poete veut leur donner. Dans un essai qu`on publie au meme moment, il celebre les merites du vin qui console et encourage les pauvres et les ouvriers. En un mot, il traite en ce moment le theme realiste de la charite et de la sympathie humaine en vers et en prose. Le realisme que Baudelaire dit au debut des annees 1850 - qui pretend substituer l`etude de la nature et l`etude de soi-meme a la folie classique et a la folie romantique - signifie une ideologie nouvelle qui convient a comprendre, interpreter, et saisir le monde en depassant les defauts du classicisme traditionnel et du romantisme actuel, c`est-a-dire, la facon de penser trop superficielle. Cela veut dire la tendance d`avant-garde de la litterature et de l``art avant et apres l`annee 1850, et en meme temps, un realisme sincere et modeste, ni la copie fidele du reel, ni le realisme gigantesque comme une ideologie revolutionnaire que Courbet recherche.

초현실주의 시의 환상성 -벵자맹 페레의 작품을 중심으로

조윤경 ( Yun Kyung Cho )
한국불어불문학회|불어불문학연구  87권 0호, 2011 pp. 265-294 ( 총 30 pages)
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Cet article analyse les poemes de Benjamin Peret afin d`eclairer le fantastique poetique et le fantastique surrealiste auxquels les etudes sur la litterature fantastique n`ont pas vraiment prete attention jusqu`ici. La poesie de Peret realise le fantastique du quotidien. Il ne s`agit pas de paralyser le reel mais le reveiller: si l`ecrivain traditionnel appelle des etres inconnus pour provoquer le fantastique, Peret depayse soudain les objets quotidiens et en degage l``inconscient et les possibilites latentes. Si l`un propose des indices permettant aux lecteurs d``entrer dans un univers fantastique, l``autre les elimine pour faire ressentir l``elan poetique, elan dirige vers le merveilleux. En parodiant le recit fantastique, Peret concretise le fantastique magique dans ses poemes. Le poete-magicien utilise le ton prophetique et proclamatif pour manifester sa volonte d``inventer un monde avec son propre ordre. En mettant en scene le jeu de dissimuler et de reveler selon le principe de la magie, il metamorphose les objets du monde comme l``humain, l``animal, le vegetal, les choses dans ses poemes. Il redefinit ainsi la loi de la causalite en renouvelant la philosophie de l``immanence (tout est dans tout) et la rencontre fortuite du surrealisme. On peut nommer ce genre de fantastique "le fantastique de la relation". Il est forme par le dereglement systematique des signes et des sens. Le poete construit le fantastique poetique, distinct de celui de la prose: il souligne le processus du jeu de mots poetique qui provoque le fantastique au lieu de son contenu et de sa signification. La metaphore filee et le deluge de l``image sont des outils poetiques efficaces pour provoquer un basculement subit du reel au fantastique. Par le jeu du langage poetique, le poete montre l``aspect ludique du fantastique que la litterature fantastique traditionnelle n`a guere souligne. De plus, il met en lumiere la part creative, produite par le glissement de hasard. Le jeu de mots peretien renouvelle l``oralite propre a la litterature fantastique, d``une maniere differente du recit. La poetique circulaire resume enfin les caracteristiques de la poesie de Peret: elle nous permet de voir autrement le monde avec le rythme du flux et du reflux, le mouvement de cacher et de montrer. L``alchimie poetique chez Peret consiste a metamorphoser la metaphore et a materialiser le langage tout en poetisant ainsi "l``etrangete envoutante" du fantastique.
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