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불어불문학연구검색

Etudes de Langue et Litterature Francaises


  • - 주제 : 어문학분야 > 불어학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-4350
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 88권 0호 (2011)
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Une des pieces de Lagarce qui traitent du retour du fils prodigue, apres plusieurs annees d`absence, au sein de sa famille, Juste la fin du monde parle de l`echec des retrouvailles, de la communication. C`est surtout a travers un nouveau traitement du dialogue que cet echec est rendu visible: contrairement a ce que Louis, protagoniste de la piece, annonce au prologue, il n`arrive pas a evoquer ni sa maladie ni sa mort ?prochaine et irremediable?. Il se refugie plutot dans une serie de monologues qui meditent sur la mort ; d`autres personnages non plus n`arrivent pas a communiquer avec lui. Chaque personnage semble parler devant un (ou des) interlocuteur(s) muet(s) mais en fait, tour a tour, chacun se livre a une sorte de soliloque, a sens unique. D`autant qu`il y n`a pas assez de dialogues pour rompre le silence accumule depuis des annees entre Louis et sa famille, sinon que son enchainement est intentionnellement etrange, ce qui renforce la non-communication. En jouant la limite entre le dialogue et le monologue, Lagarce cree une facon differente de parler sur la scene: monologue, quasi-monologue, dialogue asymetrique… L`omnipresence de differentes formes de monologue ainsi que le traitement de l`espace (celui de la maison comme un vrai labyrinthe ou chacun cherche un autre ou se cache) montre efficacement combien les personnages sont isoles a l`interieur d`eux-memes, et eprouvent la difficulte de se raconter pour comprendre. Difficulte aussi de parler: les mots se repetent, se contredisent, se corrigent a force que les personnages essaient, comme des etres desireux de s`exprimer, de trouver le mot juste, ou bien hesitent de le prononcer. D`ou resulte une consequence paradoxale: dire sans dire. Louis ne prononce pas un mot sur sa mort. On le voit, Lagarce s`est preoccupe de la forme dramatique comme contenant du sens : le dire et l`impossibilite de dire sont figures par la structure de la piece alternant entre les monologues et les dialogues, par des faux-dialogues, et meme par la tentation du ?vrai? dialogue, ainsi que par les donnees spatio-temporels. En effet, la double temporalite (est-ce que Louis va mourir? ou est-il deja mort?) est le caractere particulier de la piece. Lagarce adopte la technique meme du roman, en brossant son auto-portrait dans les monologues de Louis. Louis passe son temps a anticiper ou a revenir en arriere, comme si l`auteur atteint par le sida, se voyait, dans son vivant, deja mort. Consequence dramaturgique : Louis devient doublement ?fantome? aussi bien par l`impossibilite d`effacer la distance humaine entre lui et sa famille que par la presence de la mort. La dimension autobiographique rend encore plus belle la piece qui temoigne des interrogations propres a l`auteur face a la mort, a l`indicible, au non-dit existentiel.

불문학 : 「해변의 묘지 Le Cimetiere marin」의 구조 연구: 오르페우스 신화의 회귀

김성택 ( Sung Taek Kim )
7,200
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Le ?Cimetiere marin? ne peut pas etre reduit a quelques concepts philosophiques, par lesquels Gustave Cohen l`a commente dans un cours universitaire honore de la presence de Paul Valery. Notre lecture mythocritique a pour but de revaloriser les images poetiques apparues dans ce poeme qui convergent vers le mythe d`Orphee : affinite avec Apollon, angoisse de la mort, descente aux Enfers et re-disparition du plus desire. Avant d`essayer cette analyse semantique, nous cherchons a verifier une symetrie structurale du ?Cimetiere marin? : apres tout, 6 parties egales de 4 strophes qui pourront charpenter un parcours mythique d`Orphee. Et puis, le poeme ?Orphee? nous precise que Valery a deja trouve un aspect apollonien dans la figure mythique d`Orphee ; c`est parce que l`acte artistique d`Orphee apaise la mer furieuse et erige "les hauts murs d`or harmonieux d`un sanctuaire". La plus grande importance de cette recherche, c`est surement de comparer, analyser et devoiler strophe par strophe une valeur des images poetiques par rapport aux mythemes structurants d`Orphee : la premiere partie nous revele sur le "point pur" Orphee apollonien avec l`art absolu; la deuxieme le destin du "moi", un mortel contrairement au "Midi le juste"; depuis la troiseme la descente aux Enfers commence a l`entree du cimetiere garde par la "chienne splendide" comme Cerbere; dans la quatrieme et la cinquieme, les morts et les monstres comme "insecte net", "larve", "ver" et "sa dent" apparaissent successivement; la derniere chante le retour du moi-Orphee sans Euridice, qui s`envole comme "pages tout eblouies". Le mythe d`Orphee revient ainsi dans le poeme en tant que structure interne et latente. Le tableau analytique de cette mythocritique est suivant : Les images principales apparues dans le ?Cimetiere marin?.

불문학 : 『오렐리아』와 『악마의 묘약』에 나타난 "분신"

김순경 ( Soon Kyung Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 79-123 ( 총 45 pages)
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Notre etude sera consacree a la comparaison entre Gerard de Nerval et E.T.A. Hoffmann en ce qui concerne le theme du double envahissant toutes leurs oeuvres. Presque toutes les oeuvres de Gerard de Nerval sont influencees par le romantisme allemand, et surtout par Hoffmann. Nerval est devenu un des introducteurs du romantisme allemand en traduisant les oeuvres allemandes. Nous avons essaye de trouver les figures du theme du double chez Nerval qui se sont puisees de chez Hoffmann. C`est une reflexion sur ``Doppelganger`` et sur ``double``, pris dans le sens tres large d`inhibiteur-mortifere, qui se rencontre a plusieurs niveaux dans Aurelia et Les Elixirs du Diable ou le narrateur affronte l`obstacle de rivaux. Chez Hoffmann, la vision de ``Doppelganger`` nait de l`angoisse metaphysique. Il croyait voir son double ou le spectre deguise de son propre moi. L`univers bipolaire de Hoffmann - antithese romantique du reve et de la realite a influence propondement Nerval. Nous pouvons tirer les figures angoissantes des doubles qui se situent dans un cadre au-dela de reve, proche du reve. Nerval a rencontre ce ``double`` au fur et a mesure qu`il se confrontait aux problemes de la scission de l`etre, aux conflits metaphysiques. Pour combattre le fantome de son double, finalement pour percer le mystere de la vie, il a explore ses propres reves : "Je resolus de fixer le reve et d`en connaitre le secret." Comme Nerval, Hoffmann a cherche a forcer par la voie du reve les portes du monde invisible, arme de toute sa volonte. Le monde apparait double, comme la vie humaine, partagee entre vie et songe, avec la qualite d`indecision. La figure du double, personnage reel/ireel, qui est a la fois l`illusion et la verite de son double apparait dans le cadrage tres incertain : "Ici a commence pour moi ce que j`appellerai l`epanchement du songe dans la vie reelle." Dans Aurelia, le narrateur va revivre deux fois le meme evenement, la premiere fois en tant que double, lui n`etant alors que spectateur ; la seconde etant la seule ``reelle``, selon ses amis venus le chercher. ``le moi`` se perd dans la presence a soi le fantome qui l`habite, lui interdisant l`autonomie et la liberte, le plongeant dans un monde qui n`est pas ``sien`` et qui le dechire. Le double de la premiere apparition est comme tire de soi, de son intimite, comme une sorte d`ectoplasme, qui vient happer une realite spirituelle et culturelle ; Et l`apparition du double provoque "l`inquietante etrangete". La seconde apparition du double, fait intervenir les meme elements, dans le rituel recitatif du texte. Au moment ou il tente de rever de son amoureux, cet ``esprit`` apparait. Le narrateur se designe ici vaincu d`avance par une culpabilite qui le place en situation expiatoire. Enfin, le narrateur s`est accuse d`avoir perdu et oublie Aurelia : son geste sera alors reitere par son double, consommant la perte de son amour; et dans un second temps, c`est lui-meme qui prononcera la parole d`orgueil qui sera sa perte et celle de son amour ; Enfin, "Une seconde fois perdue!" Nerval ait ete fortement impressionne par Les Elixirs du Diable d`Hoffmann, a qui Nerval emprunte le nom de l`heroine, indiquant qu`il identifie par la leur destin. Medard se voit Aurelie disputee par son double, frere Victorin, et est partage lui-meme entre des desirs bons et des instincts qui le poussent au mal, sous l`influence du fameux ``elixir``. Il prend la place de Victorin et Victorin pretend etre Medard. La scene essentielle du ``mariage mystique`` a impressionne - du moins litterairement - Nerval. C`est une double scene, qui represente un double mariage rate a chaque fois, a cause justement de l`intervention du double. La premiere fois, le double, sur lequel il a cru decharger tous les instincts defendus de sa nature, ce bouc emissaire, ce double qui s`est charge de ses desirs ``diaboliques``, passe sous les fenetres de la fiancee pour etre tue en expiation des crimes qu`on lui attribue a tort, alors qu`ils sont bien entendu le fait du heros Medard. Le deuxieme mariage va consacrer Aurelie au Seigneur, et merite seul pour cela le nom de mariage mystique ; mais, si Medard resiste a ce desir sauvage, son double, Victorin vient reclamer sa ``fiancee`` dans un delire homicide. Le double ressemble trait pour trait au heros, dans sa voix, dans son habillement. Ce double contrarie toujours les entreprises du heros et generalement c`est a propos d`une femme qu`eclate la catastrophe, qui est souvent le suicide, par la voie detournee de l`assassinat du persecuteur abhorre. Pour echapper a la division de son etre, provoquee par l`apparition de son double, Nerval aspire a la fusion des ames par sympathie; cette fusion intime des consciences, Nerval la realise en communiquant avec l`ame d`un aliene(un autre double) et en le delivrant de son mutisme. Nerval finit par "dompter cette chimere attrayante et redoutable": de l`inquietante etrangete a l`envoutante etrangete.

불문학 : 셀린 : 머리 없는 주체의 글쓰기

김예령 ( Ye Ryung Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 125-169 ( 총 45 pages)
8,500
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Deux caracteristiques, apparemment conflictuelles, chez Celine suscitent la perplexite de ses lecteurs et les conduisent a s`interroger : comment un grand ecrivain, un "styliste" dans l`acception la plus elevee du mot, peut etre aussi un ordure politique vociferant des discours antisemites d`un degre de violence et d`ignominie peu commun ? Doit-on traiter de la question de l`esthetique a part, en la separant de celle de la politique ? A tout considerer, il n`y a pourtant pas de contradiction ni de rupture entre l`evolution du style et celle des idees politiques de Celine. Ces dernieres sont profondement enracinees dans le trauma primaire de la mort ressenti par le visionnaire, trauma qui s`exprime continuellement par la perte de la tete et toutes ses variations thematiques : decapitation, cauchemar de la tete/ventre, misere du gasteropode, etc. Loin de lui constituer une position sacerdotale au sein des institutions litteraires, politiques ou autres, les pamphlets tuent socialement et symboliquement leur auteur ; Celine ne meurt cependant pas, il devient intempestif. Sans tete, il fuit, avec quelques notes qui ne peuvent venir autrement que par la chute, a travers la ruine. Le visionnaire se voit desormais oblige de faire glisser, de soutirer subrepticement ses "opinions" dans l`orbe litteraire, comme s`il s`etait incarcere lui-meme, et de les convertir en investissements purement artistiques. L`art pour naitre ou pour se penser necessite une certaine elimination au seuil de soi-meme. La mort ou l`imagination eschatologique se transforment en condition, principe et inspiration ultime de la creation. Et le style en effort agonistique, en resistance ou restance, pour reprendre le terme derridien. L`intensite et le dynamisme du style, le "style emotif", permettent a l`artiste decapite, gasteropode, de ramasser sa tete, de faire encore quelques pas vers une fin designee et decidee par lui-meme. A l`instar de saint Denis cephalophore ou de Dionysos jongleur du temps. Le style trace un espace litteraire en realisant un equilibre critique mais rythmique entre deux chutes, entre les mains qui tiennent la tete coupee et le vide au-dessus du corps qui marche en titubant. Celine chasse ainsi la melancolie, echappe aux poursuites de ses ennemis reels ou imaginaires en s`abritant dans un territoire dont l`essentiel reside dans le de-part.

불문학 : 『오베르만』의 풍경묘사에 관하여 -빛과 어둠의 문제를 중심으로

김용민 ( Yong Min Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 171-197 ( 총 27 pages)
6,200
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La description des paysages joue un role particulierement important dans Obermann : elle fonctionne comme un element constitutif majeur du roman, qui est, par contre, presque depourvu de recit. Montagnes, lacs, foret sont des sites favoris que Senancour decrit inlassablement. Nous ne nous interesserons pourtant pas a ces objets descriptifs, mais a leur atmosphere dont la coherence est assez caracteristique : manque de lumiere et abondance d`ombre. Obermann est un personnage etrange qui fuit presque maladivement le beau temps. La force de la lumiere, evoquant immediatement la secheresse et la platitude, lui parait toujours penible, voire insupportable. D`ou une quasi-absence de paysages en plein soleil dans l`oeuvre. Pour qu`elle puisse y entrer, la lumiere doit etre affaiblie comme celle du matin ou du soir, sinon couverte de brouillards. La lumiere du soleil qui eclaire les paysages de l`Obermann est donc le plus souvent une lumiere faible, accompagnee de brume et menacee d`obscurite. Il n`en va pas de meme pour la nuit : temps et lieu privilegies ou le heros agit, reve et medite en regardant, parcourant, ecoutant meme les paysages. C`est seulement dans les paysages nocturnes, du moins crepusculaires qu`a peine vivant, il se ressource, qu`il peut trouver le repos qui calme son inquietude deracinable, mais enfin et surtout qu`il se livre entierement a la reverie qui, perturbant la realite implacable du monde visible, le conduit parfois a froler une autre realite. Pour lui, la nuit est par excellence le lieu de la revelation ou le passage a un "ailleurs". Ajoutons que les paysages nocturnes dans Obermann sont souvent decrits par les sons de la nature. Ce qui est vise, ce n`est donc pas la forme ni la couleur d`un tel objet, mais ce qui est derriere elles, sa partie invisible. Les sons, toujours plus vagues et plus evocateurs que les formes, fournissent a notre heros un des meilleurs moyens d`eprouver un sentiment de l`infini. Ce n`est donc pas par hasard s`il utilise plus d`une fois le mot "romantique", pour exprimer la vertu et la portee des sons naturels ou humains qu`on entend dans l`obscurite. Car l`attitude mystique, l`aspiration a l`infini, le desir de fusion avec la nature sont autant de caracteristiques du romantisme. Tout cela montre bien qu`Obermann est irresistiblement seduit par ce qui est indecis : les paysages brumeux, crepusculaires ou nocturnes. Les paysages "auditifs" sont encore plus incertains puisque l`ouie appartient plutot au domaine du coeur, si la vue est du cote de l`esprit. Or l`indecis est un etat qui favorise le glissement vers un autre, et c`est effectivement ce qui se produit chez Obermann : du domaine des sens, il passe au domaine de l`ame par l`intermediaire de l`indecis. Son but ultime n`est autre que d`entrer dans cette sphere spirituelle, de trouver ou retrouver son "ame profonde". Les perceptions sensibles sont necessaires mais doivent laisser place a une certaine spiritualite. Et dans ce roman, c`est en peignant des paysages qui lui etaient chers que Senancour a decrit d`une maniere poetique ce processus.

불문학 : 문학 장르 "생리학"의 유행과 발자크의 『프티부르주아』

김인경 ( In Kyoung Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 199-230 ( 총 32 pages)
6,700
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``생리학(Physiologie)``이란 단어는 프랑스 문학의 장에서 19세기 전반기를 풍미했던 일종의 총칭적 제목이다. 특히 1840-1842년 동안 프랑스에서 대유행했던 시리즈출판물의 문고판(삽화) 책들을 가리킨다. 이와 같은 문학 장르인 "생리학"은 문학사적 위상에서 하위문학에 속한다. 본 연구는 문학 장르인 "생리학"의 사회문화적 발생 배경과 그 특성들을 고찰하고, 이 "생리학"이 발자크의 『프티부르주아 Les Petits Bourgeois』의 구상과 집필, 중도포기로 이어지는 과정에서 역사적, 사회적, 출판사회학적 그리고 텍스트적 상관관계가 어떠했는지를 규명하는 데 그 목적이 있다. 본 연구는 5 부분으로 나누어 진행된다. 가장먼저 "1840년에서 1842년까지의 생리학"에 대한 연구는 우리들로 하여금 사소한 특징들 내에서 "사회적유형들"에 대한 상세한 분석과 함께 다양한 사회현상의 개요를 일별할 수 있게 한다. 두 번째 부분에서 발전을 거듭하고 있던 과학 분야의 생리학이 어떻게 대중적인 독자를 겨냥한 담론으로 확장되는지 그리고 마침내 문학계의 "생리학"으로 진화하는 지를 추적한다. 그런데 당대 출판계에서는 "생리학"의 대표작가 중 한 사람으로 발자크를 선전하고 있으며, 현재까지도 문학계에서는 그렇게 간주하고 있다. 따라서 세 번째 부분은 일종의 사회현상처럼 한참 유행이던 1840-1842의 "생리학"과 발자크의 "생리학" 관련 작품들과의 차이점이 무엇인지를 밝히고 있다. 1843년부터의 "생리학"의 급격한 쇠락이 목격되고 1843년 말경 발자크는『프티부르주아』가 총서『인간희극』에 반드시 필요하며, 그 작품은 너무나 거대하고 대중적으로 매우 크게 성공할 것임을 확신한다. 그래서 이 연구의 네 번째 부분은 생리학과 경쟁하는 문학작품으로서의 『프티부르주아』의 창조를 추적한다. 마지막 결론은 작가가 의도했던 바와는 달리 왜 "생리학적인 접근"의 텍스트표상에 그치게 되는지, 그리고 어째서 글쓰기를 중단하게 되는지에 관해서 "생리학"과의 사이에서 수립될 수 있는 상호적 관계를 밝힌다. "19세기 프랑스에서 생리학이란 이름으로 장식된 풍속연구"(19세기 라루스백과대사전)를 공부하기 위해서, 기본적으로 역사적 · 사회적인 상황 분석이 되고자 했던 "생리학" 장르를 이해하는 데서 출발한다. 따라서 본 연구는 출판의 사회역사적인 상황과 긴밀히 연결되어 있으므로 19세기 전반기로 문학의 장에 위치하게 된다. 19세기 초에 ``생리학``이란 단어는 문학 분야에서는 사용되지 않았고 의사와 자연학자들에 의해 사용되었던 과학용어였다. 1825년부터 점차 그 주제가 무엇이건 1830년경까지 무게 있고 과학적인 모든 연구에 적용하기 위해 ``생리학``이란 단어의 의미가 확장되기 시작했다. 특히 문학에 있어 ``생리학`` 등장과 그 확대에 발자크가 선두는 아니라도 동참했으며, 그의 기여가 상당했다. 사실 샤바랭의 『미식의 생리학』, 발자크의『결혼의 생리학』등의 책의 성공에 뒤이어, 1830년의 주간지 『라 실루에트』의 『생리학적인 갤러리』라는 글들의 인기에 따라 차츰 이 단어는 그 사용에 있어 통속화되기 시작한다. 1840년부터 마치 현대 사회의 첫 번째 산업적 복제품과 같은 『***생리학』 시리즈물의 출간과 그 유행은 1842년까지 파리의 출판물시장을 뒤엎고, 1843년 시장에서 빠르게 사라지게 된다. "생리학" 출판물의 가장 눈에 띄는 점은 『***의 생리학』으로 표시되는 우스꽝스러우면서도 기발한 제목들이다. 모든 제목은 다양한 카데고리 속에서의 인간유형들을 표현하였으며, 그 유형들 중 커다란 부분은 당대의 부르주아들 그리고 파리지엥들이 차지했다. 그런데 이러한 대유행과 몇몇 작가들의 성공에 비해 발자크의 "생리학"들은 독자로부터 외면당했다. 제목의 일치에도 불구하고 발자크의 과학적이고 사회적인 분석의 ``생리학`` 관련 작품들은 독자들에게 쉽고 가볍게 소비될 수 없었다. 그리고 이 제목의 일치로 발자크를 "생리학"의 작가로 혼동하고 있다. 1843년 말경, 왜 그리고 어떤 이유에서 발자크가 『파리의 부르주아』를 가지고 이러한 종류의 주변문학과 다른 거대한 작품과 경쟁하고자 했는지 추적 조사한다. 실제로 발자크에게 이 소설이 "모든 것을 시시하게 할 걸작 들 중의 하나"이고, 작가는 당시의 시리즈물 "생리학"의 성공과 그의 쇠락, 위젠느쉬 등의 연재문학의 성공 등의 모두를 시시하게 만들 것이라고 확신했다. 당시 19세기의 ``부루주아``, 특히 이미 19세기 전체의 사회인 『인간희극』의 보루가 될 것임을 확신한 것처럼, 자신의 "정체성"을 기다리고 있는 형성 중에 있는 ``프티부르주아``를 소설로 그려내고자 한 것이다. 그렇지만 결국 이 작품에서 발자크가 기도했던 "부르주아(Le bourgeois)"를, 더 구체적으로 "프티부루주아"를 구축하고 소설 속의 사회를 구성하는데 점차 작가의 상상력이 따라주질 못한다. 마치 발자크가 글을 쓰던 당시의 실제의 세계가 그러했듯이, 프티부르주아들의 갤러리 즉 "생리학적인 접근"으로서의 "프티부루주아들"의 용모의 특징들로 제한되고, 발자크가 그리려고 했던 "프티부르주아"를 그려내는 데 실패하고 글쓰기의 진행은 중단된다.

불문학 : 미메시스, 재현의 시학에서 재현의 윤리학으로

김한식 ( Han Sik Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 231-272 ( 총 42 pages)
8,200
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Est-ce qu`on peut parler d`une fonction ethique du recit, defini comme ? representation de l`action humaine ? ? Telle est la question centrale de cette etude, qui implique a bien des egards des difficultes, surtout en ce qui concerne la relation entre l`art et le reel, l`experience esthetique et l`ethique, bref, entre la mimesis et la praxis. Pour aborder cette problematique, nous avons pris comme fil conducteur la these formulee par P. Ricoeur dans son Temps et recit : ? il n`est pas de recit ethiquement neutre. La litterature est un vaste laboratoire ou sont essayes des estimations, des evaluations, des jugements d`approbation et de condamnation par quoi la narrativite sert de propedeutique a l`ethique. ? Il s`agit d`abord de la ? mimesis ?, notion essentielle dans la Poetique d`Aristote, qui s`est traduite traditionnellement par le terme d`imitation, isssu du mot latin ? imitatio ?, ce qui semble provoquer non sans raison des ambiguites, des confusions et des malaises concernant son usage philosophique ou esthetique. Selon les etudes recentes (Dupont-Roc et Lallot, Goodman, Ricoeur), la mimesis se definit, loin d`etre un simulacre ou une copie comme le disait Platon dans La Republique, mais comme ? la representation de l`action humaine ? qui presuppose la coupure et la continuite entre le reel represente (l`objet-modele) et le reel representant (l`objet-copie). Les etudes de P. Ricoeur ont pour but l`elargissement de la notion, en l`appliquant non seulement a la tragedie, mais aussi au genre narratif dans son ensemble. A partir d`une equivalence entre la mimesis et le muthos, il a essaye de retablir la relation entre la poiesis et la praxis, ce qui l`amene a developper une hermeneutique de la mimesis. Il parvient ainsi a etablir un cercle hermeneutique, ? la triple mimesis ?, qui vise a marquer la coupure et la continuite de l`activite mimetique par rapport a l`activite pratique. Au bout de ce parcours hermeneutique (prefiguration - configuration - refigration), la mimesis ne se confine pas d`une notion etroite de copie-imitation, pour aboutir a une dimension ontologique qui ouvre un ? monde possible ? a la faveur de sa reference metaphorique. C`est a ce stade que nous pouvons parler d`une ethique du recit, dans la mesure ou sa fonction principale consiste a bouleverser notre experience quotidienne pour faire decouvrir un nouvel aspect du monde par une ? variation imaginative ?. ? Ce qui est a comprendre dans un recit, ce n`est pas d`abord celui qui parle derriere le texte, mais ce dont il est parle, la chose du texte, a savoir la sorte de monde que l`oeuvre deploie en quelque sorte en avant du texte. ? C`est ainsi que nous avons parcourons le chemin vers la fonction ethique du recit autour de la notion d`identite narrative et celle de catharsis. D`une part, au plan de la semantique de l`action, le recit joue un role mediateur en conferant au sujet de l`action l`unite narrative d`une vie. C`est a ce sujet que l`on peut attribuer la responsabilite ethique de ses actions. D`autre part, au plan de la catharsis, la fonction du recit ne se limite pas dans son experience esthetique ; le recit nous conduit vers la phronesis, la sagesse pratique dont le but est de guider nos actions dans une situation particuliere et concrete. Le recit apparait alors comme un vaste ? laboratoire ethique ? ou bien une ? propedeutique a l`ethique ?. Par la lecture, on se comprend devant le texte et recoit de lui les conditions d`un soi autre que le moi. Le soi, compris comme ? l`oeuvre du texte et le don de la lecture ?, rejoint l`ethique de Spinoza dans la mesure ou le conatus veut dire l`appropriation de la volonte d`exister dans son ? effort pour perseverer dans l`etre, qui fait l`unite de l`homme comme de tout individu ?.

불문학 : 유르스나르의 팔랭프세스트 글쓰기 연구 -『인어공주 La Petite Sirene』의 경우

박선아 ( Sun Ah Park )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 273-302 ( 총 30 pages)
6,500
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Marguerite Yourcenar est un des ecrivains qui s`interessent a la reecriture. Elle reecrit tantot ses propres oeuvres pour le perfectionnement litteraire et la meditation interieure en tant qu`auteur, tantot les classiques comme un mythe ou un conte en particulier pour eveiller l`inconscience collective de ``nous`` au-dela du culte de ``moi``. Notre etude tient avant tout aux classiques reecrits qui instaurent une interaction entre deux (ou trois) textes par la greffe de l`un dans l`autre. Ce phenomene de reecriture est susceptible d`etre determine comme une ecriture palimpseste. Le palimpseste est au sens litteral un manuscrit ecrit sur un parchemin prealablement utilise, et dont on a fait disparaitre les inscriptions pour y ecrire de nouveau. Son image ressemble a l`ecriture intertextuelle qui concerne un travail de transformation et d`integration de plusieurs textes, et nous designons celle-ci notamment comme l`ecriture palimpseste. Notre etude consiste donc a examiner la reecriture yourcenarienne au sein de la poetique de l`ecriture palimpseste. Et pour ce but, nous avons d`abord observe rapidement plusieurs theories et leurs notions differentes sur l`ecriture palimpseste. En considerant entre autres les deux axes, c`est-a-dire la productivite textuelle et la reception lectorale, nous sommes entres dans l`analyse textuelle de La Petite Sirene qui est reecrite en piece d`apres le conte de Hans-Christian Andersen. Cette analyse est composee en deux parties, l`une sur le palimpseste- forme, l`autre sur le palimpseste-memoire. En premier, nous avons traite la question generique, les paratextes comme le titre et la preface, et divers techniques. De ces resultats, nous avons rendu compte que, par le biais de la metamorphose formelle ou structurale, La Petite Sirene de Yourcenar rehaussait la tension dramatique et qu`elle fournissait un sens de realite ainsi que l`ironie incisive. Par exemple, la structure opposee de la piece met en relief l`identite flottante sans voix de la petite Sirene qui ne pourra se detendre nulle part. En outre, les dialogues des personnages secondaires sont aprement stylises par des expressions grotesques et grossiers. Le monde merveilleux d`Andersen est ainsi transpose dans la realite satirique par l`ecriture palimpseste yourcenarienne. En deuxieme, La Petite Sirene reveille la memoire collective en remettant la co-lecture entre Yourcenar et son lecteur-public. Elle est lue par bien des enfants et, sans doute, avec la voix de leurs proches. Et le plus souvent illustree meme. Par consequent, il y a plusieurs couches de memoire dans cette piece : la memoire des oeuvres sur Andersen et Shakespeare, celle de la voix de recitation dans l`enfance, celle des images illustrees, etc. La Petite Sirene s`agit de la reecriture refletee par la memoire synesthesique comme ``lire``, ``ecouter`` et ``regarder``, en y ajoutant la memoire autobiographique qui provient de la vie americaine, parfois hostile et peu familiere. Il est ainsi en faisant revivre et convergeant la memoire a des plusieurs degres que La Petite Sirene prolifere, sortant de son oeuvre originale, et ses nouveaux sens se creent tout en jetant l`ancre a l`originel ou l`essence. En l`espece, nous pouvons remarquer l`originalite de l`ecriture palimpseste yourcenarienne. Rappelons une fois pour toutes l`idee de Schlanger que "l`oeuvre importante ressort et continue de briller sur le fond de l`ancien et du familier. Elle ressort comme une experience de lecture chaque fois neuve."

불문학 : 롱사르의 변신의 시학

손주경 ( Joo Kyoung Sohn )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 303-334 ( 총 32 pages)
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La metamorphose est un des themes favoris de Ronsard dont la poesie est marquee par le mouvement dynamique. Bien que le poete est oblige de se voir se changer par les yeux d`une femme, il n`ose pas refuser cette metamorphose. Il l`accepte et en fait le fondement de son propre moi. Dans son desir de regarder son corps avec les yeux de l`autrui, il fait des efforts pour se sauver de l`etat servil, pour qu`il devienne un etre actif capable de comprendre la verite de sa passion amoureuse ainsi que de changer son destin malefique face a une dame intransigente. Pour sauver son sort, il lui est necessaire de le faire ressembler a cette dame, puisque cette approche lui permettrait la reconciliation avec son objet d`amour. Il lui faut entrer en elle. C`est pour cette raison que les themes tels que le reve et le feu sont souvent employes dans ses poemes. Ronsard s`appuie sur ces themes pour montrer l`abolition de la distance mise entre lui et femme et pour declarer la presence d`une nouvelle subjectivite dont la masculinite devient feminine et qui contient d`ailleurs la feminite en elle-meme. En outre, cette metamorphose est une des manieres de retrouver et de redefinir l`identite du poete : elle vient de son point de vue sur la familiarite entre les elements composant l`Univers. Elle traduit la verite de la nature dans laquelle la mort devient une source d`une autre naissance. C`est par le theme de la metamorphose que Ronsard nous presente la naissance d`un poete qui devoile la verite cachee de l`Univers en creant un monde etranger aux yeux des hommes, pourtant qui n`est pas si different de celui a quoi on se sent familier.

불문학 : 조르주 바타이유의 예술론 -『마네』를 중심으로

송진석 ( Jin Seok Song )
한국불어불문학회|불어불문학연구  88권 0호, 2011 pp. 335-365 ( 총 31 pages)
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Georges Bataille developpe dans Manet ses reflexions sur l`art moderne, et notre etude se propose de les considerer a la lumiere de ses pensees de transgression. Dans cette approche s`impose d`abord la necessite d`etablir avec Bataille le portrait de Manet, et de determiner dans ce personnage aussi audacieux que complexe ce qu`il suppose de primordial par rapport au commencement de l`art moderne. Le portrait de Manet, esquisse par Bataille, et qui s`accorde bien avec les autres portraits que l`histoire de l`art multiplie, nous fait reconnaitre ces trois points importants qui sont en fait lies l`un a l`autre de maniere inseparable : premierement, le desarroi et l`inconsistance du peintre parlent de la situation de l`epoque ou les valeurs souveraines traditionnelles ne sont plus valables, et de son choix d`embrasser en tant que tel le desordre des possibles ; deuxiemement, le caractere impersonnel de l`oeuvre de Manet en garantit la diversite, tout en mettant une distance a l`egard du romantisme represente par Baudelaire en l`occurrence ; troisiemement, il est possible de lire dans la recherche picturale, menee par Manet dans le tatonnement de maniere hasardee, la disparition du sujet et l`apparition du langage en son etre dont parlent Blanchot et Foucault par rapport a la litterature moderne, ce qui laisse voir que la peinture de Manet concerne le changement qui le depasse largement, c`est-a-dire le changement au niveau de civilisation. Ainsi examine le portrait, il importe ensuite d`analyser l`operation picturale de Manet en laquelle Bataille reconnait la plus grande valeur des oeuvres du peintre, et qui se trouve le mieux condensee dans l`Olympia. Il va sans dire que ces analyses forment la principale question de cette etude. Les trois themes viennent occuper le centre de notre interet, a la suite de la lecture du texte de Bataille : d`abord, ?ce qu`on voit?, qui se substitue chez Manet aux conventions imposees par la tradition ; ensuite, la destruction du sujet qui etablit le silence sur l`horizon du vide ; enfin, la souverainete qui constitue l`existence de la peinture qui est la dorenavant pour elle-meme dans la majeste et la liberte. Tout se passe comme si ces elements coucouraient chez Bataille a projeter dans l`art moderne une tentative de se liberer de raison et de travail, d`utilite et de lourdeur bourgeoise pour retrouver la souverainete. Il est a conclure que selon Bataille l`art occidental est structure comme un oignon, vu le fait que l`art en general constituait deja la meme tentative, tout comme le montre son autre livre Lascaux ou la naissance de l`art.
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