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Etudes de Langue et Litterature Francaises


  • - 주제 : 어문학분야 > 불어학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-4350
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 90권 0호 (2012)

사르트르 연극관의 변화의 원인과 『바리오나』: 단산(斷産) 그리고 투쟁

고종환 ( Jong Hwan Ko )
7,100
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Nous avons tente d`etudier une piece de theatre de Sartre Bariona qui constitue une etape tres importante dans sa carriere litteraire et philosophique. Meme les Mouches, premiere oeuvre d`une longue serie de creations qui a donne a lui une grande celebrite litteraire. Plus precisement le but de cet article est d`eclairer la raison du changement theatral de Sartre et d`etudier deux differents types a la resistance dans Bariona. En effet Sartre est tres connu comme ecrivain qui pense a l`idee philosophique et a l`liberte et a l`engagement. Cependant Sartre n`etait pas l`ecrivain engage des le debut. C`est que les experiences inoubliables qu`il a eues comme prisonnier de guerre lui ont permis de prendre une nouvelle pensee sur la societe, autrui, la litterature et le theatre aussi. Bariona est une piece politique et existentialiste. Cette piece a ete ecrite et mise en scene sous l`occupation ennemie, allemende. Nous savons a quel point la censure etait forte en France comme en Coree sous l`occupation. C`est ce qui a oblige cet auteur a masquer son ecrit sous les traits d`un conte historique, pour mieux utiliser l`histoire au profit d`un pamphlet theatralise. Bariona est nee en decembre 1940, alors que Sartre etait prisonnier d`un camp au Stalag XII, c`est en effet la qu`il a ecrit cette piece pour qu`elle soit jouee par ses codetenus francais a la veillee de Noel. Cette piece a ete ecrite dans ces circonstances et dont l`objectif etait de denoncer l`oppression et de soutenir le moral de compatriote. Dans cette piece, Sartre nous montre la situation difficile, d`un petit village sous l`occupation romaine a cause d`un nouvel impot. Sartre nous montre aussi combien le choix est d`autant plus delicate a faire alors meme que la population du village se divise en deux comme la resistance ou l`obeissance a l`occupant. une situation inextricable qui pousse Bariona a refuse de donner la vie comme une forme de resistance ultime. Finalement Bariona porte a sa maniere un message d`espoir et de resistance face a l`oppression et a la tyrannie qu`exerent parfois les nations ou les personnes, les unes contre les autres. C`est pour cette raison que nous traitons Bariona comme une oeuvre tres importante de Sartre.

뵈르문학 -자서전적 글쓰기를 통한 정체성 탐구과정 연구

김미성 ( Mi Sung Kim )
5,900
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L`histoire de la France postcoloniale est marquee par l`arrivee massive d`immigres magrebins au debut des annees soixante. Ces immigres ont installe dans les banlieues et aupres des zones industrielles. Les generations d`enfants d`immigres, nees en France ou arrivees en bas age avec leurs parents sont designees sous le nom "beur". C`est par la litterature que les beurs commencent a s`exprimer. D`abord, la litterature "beur" est autobiographique. Dans la plupart de la litterature "beur" les auteurs racontent le recit de leur vie. Et par la ils parlent la situation du jeune Maghrebin dans la societe francaise contemporaine. Dans cette etude, nous avons analyse les oeuvres representatives du roman "beur" : Le gone du Chaaba d`Azouz Begag, Georgette! de Farida Belghoul, Le The au harem d`Archi Ahmed de Mehdi Charef et Journal "Nationalite : immigre(e)" de Sakinna Boukhedenna. Comme nous pouvons voir dans ces oeuvres, les heros du roman "beur" sont jeunes. C`est parce que les jeunes auteurs veulent decouvrir aux lecteurs leur vie, leur amour, leur passion, leur desespoir et leur espoir. Ils veulent chercher l`identite dans la societe francaise par l`acte d`ecrire. Notre etude traite tour a tour le decouragement et l`errance de l`enfance, l`enchevetrement de l`adolescence, le sentiment de heterogeneite dans le pays d`origine, et enfin le retour a la societe francaise. Le recherche identitaire correspond donc bien a celle de l`identite beure puisqu`elle s`articule sur les deux identites collectives centrales que sont le pays d`origine et la France. Le discours beur cherche donc a se dissocier pour aller vers une nouvelle identite.
7,100
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Cette etude remarque dans la poesie moderne francaise une structure spatiale rattachee aux images et au symbolisme du ``cercle``. Il s`agit d`une metaphore tres puissante qui integre les espaces imaginaires variables et differencies chez les poetes modernes. Cette etude commence par une reflexion sur les images et les sens contrastes du ``cercle``. Celui-ci concerne l`image de l`etre, mais aussi la figure d`un mouvement, les images parfaites du Dieu et de l`homme, ainsi que l`unite et la diversite a la fois. Cette etude veut souligner notamment le symbolisme du cercle rattache a la totalite, et met en relief le role de celui-ci, chez les poetes modernes francais, Claudel, Valery, Saint-John Perse, Supervielle et Bonnefoy, comme un modele interpretatif de leurs aventures spirituelles. Il y a chez ces poetes un mouvement ascensionnel qui n`est point contradictoire avec l`image du centre et du cercle. Nous analysons les paysages plutot interieurs de Claudel et de Valery dans leurs oeuvres majeurs en vue de ces sujets: circonference infinie de Dieu ou circonference de l`humain qui se concentre sur soi-meme, conquete de l`autonomie et perte de la totalite. Les voyages poetiques chez Saint-John Perse, Supervielle et Bonnefoy, se representent dans les paysages plus realistes et concrets. Cette difference des paysages n`est pas sans rapport avec le passage de la dualite theologique et ontologique a celle du lieu. Les poetes mettent en scene une aventure centrifuge pour repondre a l`appel de l`horizon du desir. Cette etude a recours, par ailleurs, a la notion du cercle centripete pour arriver a la fin du trajet poetique. Les poetes tracent un cercle autour de leurs centres originaires, rattaches a la totalite. C`est dans la coincidence du lieu ou nous ne sommes pas et du lieu ou nous sommes que Claudel trouve enfin son monde nouveau et total. Valery retrouve son unite ontologique a travers la conciliation de son existence representee par ``Harmonieuse moi`` et de la soif spirituelle de ``Mysterieuse moi``. Saint-John Perse comprend la continuite du Monde dans la coupure des espaces differents. C`est toujours par un retour au centre originaire que finissent les voyages des aventuriers qui aspiraient au ``lointain``. C`est vers l`horizon du desir, et encore plus autour de la totalite originaire que se trace le cecle dans l`espace de la poesie moderne francaise. Cette etude qui part de la structure dialectique de l`espace poetique, grace au symbolisme du cercle, parvient a depasser la dialectique.

『위기의 여자』를 통해 본 실존적 페미니즘

김정란 ( Jeong Nan Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 101-126 ( 총 26 pages)
6,100
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Monique dans La Femme rompue est une femme ideale qu`on a envie d`avoir a la maison. Elle sacrifie sa vie toute entiere pour son mari et ses enfants. Elle est prise par des illusions de la femme a tout faire. Mais apres des annees de sacrifice et d`amour envers sa famille, ce qui lui arrrive, c`est l`abandon et l`adultere de son mari. Celui-ci etait un soutien et un tout de cette femme naive qui croyait que leur amour et leur vie conjugale durerait pour toujours. Celle dont il est tombe amoureux est une femme toute contraire de celle-la. Il n`est plus le meme qu`elle a aime avant. Quant a ses filles, elles sont parties pour vivre leurs vies. Et cette femme rejetee et laissee doit affronter une realite cruelle qu`elle n`avait jamais imagine jusqu`alors. Face a cette situation, elle essaie d`en sortir sagement en consultant avec ses amis et ses filles et en cherchant des raisons du changement de son mari, mais elle ne peut arriver nulle part. Elle finit par decider de retrouver son autonomie et de vivre independante meme si elle a peur encore. Le journal intime qui est la forme de ce recit peut etre un bon moyen de se retrouver et de se voir. Au fait cette histoire est tres frequente a nos jours. C`est pourquoi Simone de Beauvoir la prend pour le sujet de son oeuvre et veut nous transmettre un message, un message existentiel. D`apres l`existentialisme, ≪ l`existence precede l`essence ≫, alors chaque personne est un etre unique, "un choix absolu de soi", le maitre de ses actes et de son destin, par consequent il doit en assumer toutes les responsabilites, il est aussi responsable de ce qu`il est. Par ailleurs, la femme est consideree comme le deuxieme sexe subordonne au sexe masculin dans notre societe. Pour qu`elle retrouve sa place perdue, elle-meme doit prendre conscience, devenir autonome, et voler de ses propres ailes sans mari ni enfants. Personne ne peut vivre pour elle. La trahison de son mari est une partie de sa faute malgre elle. Notre auteur insiste sur l`independance economique de la femme afin d`obtenir une autonomie a part entiere. Travailler, garder le sens de realite, aller a la meme allure de la societe pour ne pas retarder, ni etre alienees, ni perdues, c`est un commandement que Beauvoir donne aux femmes de nos jours.

랭보의 「취한 배」와 마지막 시절

신옥근 ( Ok Keun Shin )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 127-158 ( 총 32 pages)
6,700
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On sous-estimerait aujourd`hui Le Bateau ivre, premier poeme qui a rendu celebre le jeune poete de Charleville au debut de sa carriere poetique. La critique sur la valeur poetique du Bateau ivre a longtemps hesite entre chef-d`oeuvre et pastiche. Il est vrai que les etudes des sources litteraires du Bateau ivre ont eu tendance a voir des voix et des images empruntees a d`autres et ont suppose qu`il pouvait ne pas e`tre un chef-d`oeuvre rimbaldien. Pourtant ce point de vue sur Le Bateau ivre nous semble contestable si nous analysons son discours poetique implicitement destine a l`auditoire : les poetes parisiens, surtout les poetes du Parnasse contemporain. Ce que nous remettons en consideration - les opinions autour de la valeur poetique du poeme - c`est le caractere du discours sous-entendu dans ce poeme : Rimbaud, devenu un autre-voyant, c`est-a-dire, comme l`alterite du bateau perdu relance vers la mer jusqu`a la fin du monde, fait un discours poetique dont l`essentiel est concentre dans la derniere strophe. Nous avons analyse ce long poeme en traduisant le poeme integral pour suivre la signification du discours poetique. L`argumentation que nous developpons ici consiste a apprecier la strategie du sens developpee par l`auteur pour appeler les autres poetes parnassiens qui pourraient e`tre de futurs voyants eux-me`mes. C`est ainsi qu`il aurait emprunte les sources poetiques dans les oeuvres me`mes de ses contemporains. Donc le pastiche n`est pas sans raison. Il est tres probable que Rimbaud n`a pas donne immediatement son poeme quand il a rencontre Verlaine vers semptembre 1871 pour se reserver de le "leur" presenter, c`est-a-dire aux poetes de Paris. C`est pour cela que nous refusons d`admettre la theorie de Steve Murphy selon laquelle le poeme date de 1872. Le Bateau ivre semble comprendre l`intention epique des poetes-voyants : le developpement du poeme nous laisse decouvrir les revirements surtout dans la derniere strophe : le bateau perdu ne peut pas repartir pour l`inconnu alors que l`eau d`Europe devient une fla`che noire et triste. Pourquoi? Nous pensons que "vos langueurs" est tres important pour comprendre le discours du Bateau ivre : sans relever ``vous`` qui tombent dans la langueur, le nouveau depart du Bateau ivre est impossible a jamais. La derniere strophe avec l`allegorie des "pontons" ne peut pas e`tre intelligible si l`on fait abstraction des trois phases actuelles de l`auteur : le bateau ne peut pas reprendre le commerce bourgeois ; il ne peut pas combattre pour la Revolution ; le bateau, poete, ne peut pas fuir devant les prisonniers des pontons. En fait, le discours du Bateau ivre s`adresse a "vos langueurs" pour relancer le bateau et l`oeuvre poetique. Nous voulons lire ce poeme dans son developpement du discours destine a ce "vos langueurs". Il faut reevaluer l`importance du Bateau ivre en soulignant le message poetique avec son discours et en retracant les sillages que laisse entendre le discours de ce message vers le soi-me`me dans Une saison en enfer et les Illuminations.

『알토나의 유폐자들』의 부재하는 어머니

오은하 ( Eun Ha Oh )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 159-196 ( 총 38 pages)
7,300
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Les sequestres d`Altona apparai`t comme un melodrame familial, et en me`me temps comme une piece d`actualite qui traite des problemes politiques d`alors - la guerre, la torture, le rapport entre l`individu et l`histoire, etc. L`appel politique est exprime dans la forme du drame bourgeois de la famille Gerlach, auquel ne manquent ni le pater familias, ni la fille incestueuse. Or la mere y est completement absente ; l`intrigue est centree sur les liens incestueux que noue Frantz avec deux femmes, une soeur, Leni, et une belle-soeur, Johanna. Le fantasme de l`auteur autour de la ``fraternite incestueuse`` entre frere et soeur est explicite dans son autobiographie, Les Mots, et le seul couple qui passe a l`acte, c`est le couple de Frantz et Leni. Dans leur amour denue d`une passion amoureuse des deux parts, Leni, cette soeur-epouse devouee veut proteger Frantz en le sequestrant presque, sans chercher a changer sa situation actuelle. Ses soins envers Frantz apparaissent ainsi comme un desir de pouvoir. Mais ce desir vise autant le ``Pere`` que Frantz: en se substituant a la mere de Frantz, elle veut occuper la place de la femme de son pere. L`attitude de Frantz envers Leni est egalement ambivalente : bien qu`il soit dependant de Leni, il la reduit sans cesse a l`etat d`un e`tre voue aux satisfactions des besoins corporels. Nous y voyons son horreur envers une mere qui empe`che la croissance de son enfant, mere possessive et abusive. Johanna, vers qui se tourne Frantz, ne peut accepter la folie de Frantz, a la difference de Leni, et veut le ramener a la raison. Au lieu d`une mere etouffante, il recourt a un juge lucide, implacable et rigide ; cependant c`est a la condition desesperee de ``pardonner tout`` et ``aimer tout``. Pourtant, Johanna finit par rendre une sorte de sentence, horrifiee par les revelations de Frantz sur les tortures auxquelles il a participe. Dans cette resignation de la femme qui se soumet a un ordre superieur a leur amour, on voit le reflet de la soumission de la mere a l`autorite du pere. L`antipathie eprouvee pour cette figure de mere est manifestee par la mention de ses ``yeux morts``. Enfin, ces deux figures de soeurs, Leni et Johanna, sont mobilisees afin de presenter puis rejeter les aspects divers de la mere, mere castratrice, mere froide et mere-complice du pere: le reste en serait l`ideal ou l`idealite de la maternite, denuee de toute alterite. Cette maternite pure prend la forme de l`eau de la riviere dans laquelle Frantz finit par se jeter avec le Pere. Cette eau de la noyade s`interprete comme un exterieur de l`Histoire sinistre.

보들레르의 『표류물 Les Epaves』 연구

이건수 ( Kun Soo Lee )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 197-232 ( 총 36 pages)
7,100
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A la fin de sa vie, Baudelaire, exile a Bruxelles, a clandestinement publie en 1866 un recueil de poemes intitule Les Epaves, ou etaient regroupees 23 pieces au total. La premiere section de ce livre est constituee des 6 poemes condamnes, tires de l`edition originale des Fleurs du mal. L`Avertissement de l`editeur des Epaves revele que ce recueil est compose de morceaux poetiques auxquels Baudelaire n`a pas cru devoir faire place dans l`edition definitive des Fleurs du mal. Tout en organisant Les Epaves, Baudelaire a participe a l`anthologie collective Le Parnasse contemporain, edite par Catulle Mendes, en envoyant 16 pieces dont 15 sont recueillies sous le titre collectif "Nouvelles Fleurs du mal". Pour cette compilation ou il devait rivaliser avec les autres poetes de son epoque, Baudelaire etait cense selectionner le meilleur de ses ouvrages poetiques, par exemple Recueillement et Le Gouffre, ses fameux sonnets. Nous avons compare tres precisement ces deux groupements poetiques contemporains pour arriver aux traits craracteristiques significatifs du recueil des poemes abandonnes Les Epaves. D`abord, on peut constater que les six pieces des Epaves se retouvent dans les "Nouvelles Fleurs du mal" : Le Jet d`eau, Les Yeux de Berthe, Hymne, La Voix, La Rancon, A une Malabaraise, c`est-a-dire les poemes qui auraient merite d`avoir une place dans les Fleurs du mal. Ensuite, il y a quelques pieces "trop vives" comme disait Mendes, qui risquaient de reveiller l`attention de la Justice, ainsi que les 6 poemes supprimes. Ce sont Les Promesses d`un visage et Le Monstre, qui trempent dans l`erotisme et le satanisme. Ces deux themes - celebration du corps feminin et decomposition du monde - sont les sujets principaux du dessinateur belge Felicien Rops qui a realise le frontispice en eau-forte des Epaves : "Pommier fatal-squelette". On peut ajouter dans la lignee de la poesie immorale qui fit outrage a la morale publique et aux bonnes moeurs, une autre piece : L`imprevu. L`obscenite de ces trois textes nous a sans cesse renvoye aux Notes de l`editeur qui sont de la plume de Baudelaire lui-meme. Par ailleurs, on mentionne l`edition posthume des Fleurs du mal que Asselineau et Banville, les amis du poete, ont publiee en 1868 apres la mort de Baudelaire qui ne songeait plus qu`a faire paraitre l`edition definitive de son recueil. L`imprevu, qui n`a pu prendre place dans Le Parnasse contemporain, a ete bien accueilli par ses deux collegues parce qu`ils avaient mis leur zele a collectionner les oeuvres laisses par le poete. Cependant il n`en est pas de meme pour la derniere section des Epaves intitulee Bouffonneries. Les trois pieces de cette section sont des poemes de circonstance qui traitaient satiriquement des actualites occasionnelles dont Baudelaire avait ete temoin en Belgique. Neanmoins, en tant que dernier recueil de poemes voulu et corrige par le poete lui-meme, Les Epaves n`est pas un appendice des Fleurs du mal. Il y a deux sortes de poemes : a l`exception de quelques poemes dignes des Fleurs du mal, se trouvent d`une part des pieces satyriques (y compris les poemes condamnes) et d`autre part des pieces satiriques par lesquelles Baudelaire ne se lassait pas de critiquer la culture belge. Ainsi Les Epaves est un parterre ou se ramassent des "Fleurs-epaves", qui etaient le titre originel de ce recueil lui-aussi condamne (le 6 mai 1868, par le tribunal correctionnel de Lille).

잉 첸의 『배은망덕』에 나타난 모녀관계

이인숙 ( In Sook Lee )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 233-256 ( 총 24 pages)
5,900
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Dans L`Ingratitude, roman de Ying Chen publie en 1995, les tensions qui unissent l`exilee a sa culture et a sa terre natale sont illustrees par la relation trouble entre une mere et sa fille. Deja morte au moment ou commence le roman, la jeune narratrice de L`Ingratitude relate les circonstances qui ont mene a son suicide. Sous la forme d`une longue narration envoyee a sa mere, le roman met en scene une relation mere-fille ou l`individuation de la fille ne sera possible que dans la mort. Dans The mother/daughter plot, Marianne Hirsh a decouvert un roman familial chez les ecrivains feministes dont les caracteristiques sont le role devalorise du pere, le stade pre-OEudipe considere comme une base pour la formation de l`identite et la concentration sur la relation mere-fille en conflit. Notre oeuvre suit fidelement ce schema ; Yan-Zi, voulant se liberer des oppressions familiales, surtout de l`emprise obsessive de sa mere toute-puissante, tente en vain de trouver une issue chez les hommes, mais son pere castre socialement et psychologiquement, ses amours sont impuissants ou incomprehensifs. Sphinx qui avale les hommes qui ne savent pas repondre a ses questions, est en fait une femme desirant d`etre comprise. Mais elle est devenue monstrueuse a force de vivre dans une societe masculine qui refuse de l`ecouter. La mere de L`Ingratitude a ete elevee et disciplinee selon des valeurs et des ideologies de la societe patriacale. A force d`y mener une vie ou elle a appris a ne rien desirer et a se sacrifier pour sa famille, elle en est devenu a la fois victime et bourreau. La mere de Yan-Zi qui a souffert du manque de l`amour fait tout pour empecher sa fille de se demarquer d`elle. C`est pourquoi elle veut absolument voir le corps de sa fille pareil au sien. Elle desire annihiler les limites corporelles qui separent sa fille d`elle. Pour le demontrer a sa fille, elle lui prend la main, la place sur son ventre et lui dit : ≪Tu es la. Tu es un morceau de ma chair≫? L`envie maternelle de fusion se manifeste jusau`au stade ultime de la devoration. Yan-Zi ressent en effet le desir de sa mere de l`avaler vivante. Le corps maternel devient alors le chora negatif. Comme Yan-Zi n`a pas pu se defaire de l`attache maternelle, elle tente de jouir des liquides associes a la souillure qui representent a la mere ; le sang, la salive, la sueur, les larmes. De la jouissance abjecte a l`amour impossible, Yan-Zi vacille et cherche en vain le lieu de son identite. Elle prend finalement conscience que la mort constitue unique moyen de se delivrer du joug maternel. Le suicide s`avere paradoxalement vital pour l`avenement de son identite. L`abjection est une renaissance a soi qui transforme la pulsion de mort en sursaut de vie.

행복 미루기 -알랭 푸르니에와 앙드레 지드의 한 접점-

이재욱 ( Jae Wook Lee )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 257-284 ( 총 28 pages)
6,300
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지드에게 첫 대중적 성공을 안긴 『좁은 문』과 공쿠르상 후보에 올랐던 알랭 푸르니에의 유일한 소설 『르 그랑 몬느』는 각각 1909년과 1913년에 발간된 동시대 작품이다. 형식과 주제 면에서 두 작품은 놀라운 유사성을 띠고 있어 그들의 비교연구의 부재 이유가 사뭇 궁금증을 자아낸다. 먼저 형식면에서 『좁은 문』과 『르 그랑 몬느』는 둘 다 작가의 애정경험에 바탕을 둔 자전적 소설이다. 화자 역시 동일하게 작중인물이며 제롬과 마찬가지로 쇠렐 역시 그의 이야기에 깊숙이 관여되어 있기는 하나 주인공은 아니다. 이들 주 작중화자가 이야기의 중심에 서있는 알리사와 몬느의 내면세계를 조명하기 위해 이들의 편지와 일기를 옮기고 있는 것도 두 작품의 공통점이다. 『르 그랑 몬느』와 『좁은 문』은 또한 전자는 ``에필로그``로 후자는 그에 상응하는 독립된 장으로 끝을 맺고 있다. 두 작품의 이러한 형식상 공통점은 주제의 동일성에서 비롯되는 것으로 보인다. 『르 그랑 몬느』와 『좁은 문』은 구도소설, 또는 성장소설의 장르에 속한다. 각각의 이야기의 초반, 이본느를 만난 순간 몬느를 사로잡은 감정, 어머니의 외도로 불행한 알리사의 사랑의 보호자가 되겠다고 결심한 순간 제롬이 느낀 고양감은 둘 다 삶의 목표를 발견한 자의 환희다. 『르 그랑 몬느』와 『좁은 문』의 후반부는 이러한 지고의 환희가 그것을 낳게 한 대상 보다는 아직 세상에 물들지 않은 감정 주체의 영혼의 순수함에서 비롯되었음을 확인하는 과정이다. 알랭 푸르니에 소설의 주인공은 자신의 편지와 일기 속에서 성장과 함께 필연적인 순수의 상실을 개탄하고 있다. 한편 지드는 같은 변화를 겪는 제롬을 안타깝게 바라보는 알리사의 목소리를 통해, 즉 그녀의 편지와 일기를 통해, 회복이 불가능한 영혼의 순수성에 대한 향수를 표현하고 있다. 사실 『르 그랑 몬느』와 『좁은 문』의 유사성에 주목하기 위해서는 이야기가 전개되면서 제롬보다 확연히 비중이 커지는 알리사가 작중화자 못지않은 지드의 소설적 분신이라는 것을 간파할 필요가 있다. 『르 그랑 몬느』와 『좁은 문』의 주제의 공통점은 순수의 시대에 대한 향수에 그치는 것일까? 두 작품이 내포하고 있는 보다 중요한 공통된 메시지를 발견하기 위해서는 그들 결말의 비극성에 대한 의문을 품어야한다. 동생이 제롬을 사랑한다는 것을 알아차린 알리사는 그녀를 위해 자신의 행복을 희생했다. 하지만 충동적으로 원하지 않았던 결혼을 한 줄리에트가 그 결혼에 만족하게 된 이상 그녀 언니는 제롬과의 약혼을 미룰 특별한 이유가 없었다. 마찬가지로 우여곡절 끝에 이본느와 결혼한 몬느 역시 결혼식 다음 날로 그녀의 곁을 떠날 수긍할 만한 이유가 없었다. 프란츠와 발랑틴느를 찾아 그들을 재결합 시키겠다는 그의 여행 목적은 알리사의 희생만큼이나 하나의 구실로 보인다. 알랭 푸르니에와 지드의 소설적 분신인 이 두 등장인물의 이해하기 힘든 행동은 두 작품의 초반, 이야기의 촉매가 된 환희의 성격과 관계가 있다. 제롬이 경험주체이고 지드의 또 다른 소설적 분신인 알리사의 일기에서 자주 언급되는 이 환희는 궁극적으로 작가가 사촌 마들렌느와 관계에서 실지로 경험한 감정이다. 전기적 관점에서 볼 때 몬느의 환희 역시 소설의 여주인공과 동명 여인인 이본느와의 짧은 만남에서 경험했을 알랭 푸르니에의 감정이다. 두 작가는 이 환희가 행복감과는 구별되는 것임을 발견했을 뿐만 아니라 행복에 만족할 때 이런 종류의 환희는 맛볼 수 없는 것임을 확신하고 있었던 것으로 보인다. 행복의 육화인 대상의 소유보다 그 대상에 다가가는 과정에서 맛보는 환희를 더 소중한 것으로 여겼던 알랭 푸르느에와 지드에게 행복은 그들의 소설적 피조물에게 있어서와 마찬가지로 영원히 미루어야하는 것이었을 것이다. 바로 이점에서 일견 매우 상이한 두 문인은 만나고 있다.

형상과 기형 -디드로의 회화 이론과 미학 사상 연구

이충훈 ( Choong Hoon Lee )
한국불어불문학회|불어불문학연구  90권 0호, 2012 pp. 285-312 ( 총 28 pages)
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중세사상의 토대를 이루는 스콜라철학은 아리스토텔레스 형이상학에 따라 보편적 본질은 개개의 존재에 내재하고 이들 존재는 보편적 본질이라는 최종 목적을 실현하기 위해 나아간다고 보았다. 이러한 입장에 따르면 개체의 본성은 그 개체가 일시적으로 드러내는 형상에 있지 않고 종(種)을 구성하는 공통 특질에 달렸다. 르네상스 시대에 아리스토텔레스 이론을 회화이론에 적용한 미술 이론가들은 모방의 대상을 보이는 그대로 그려서는 안 되고 대상의 본성을 고려하여 미화(美化)해야 한다고 주장했다. 이러한 회화 및 예술 이론은 18세기 중반에도 여전한 영향력을 발휘했다. 특히 아카데미 회원 샤를 바퇴는 아리스토텔레스 철학을 기반으로 삼아 모든 예술의 원리는 ``아름다운 자연``의 모방에 있다고 주장했다. 자연은 결함을 가졌으므로 이를 있는 그대로 모방해서는 안 되고, 개별 존재에 내재한 본질적 형상을 파악하여 이를 구현하도록 노력해야 한다는 것이 그의 주장이다. 예술의 목적이 아름다움을 창조하여 미적 쾌감을 불러일으키는데 있다고 한다면 개별 존재들을 기계적으로 모방하는데 그쳐서는 안 되고 이들 존재에 앞서 영원히 존재하는 이상적인 아름다움을 추구해야 한다는 것이 명백하다. 그러나 아카데미에서 내세우는 이상적 아름다움의 기준과 취향이 공식화될 때 화가들의 창조적 작업은 제한 받고 고대와 현대의 거장이 이룩한 스타일을 단순 모방하는데 그칠 우려가 있다는 점도 사실이다. 이와 같은 사정에서 드니 디드로는 아카데미에서 개최한 일련의 살롱 전에 대한 미술평론을 쓰면서 아카데미에서 인정받았던 화가들의 매너리즘을 공격하는 한편, 새로운 미적 가치를 창조한 화가들을 옹호하고자 했다. 특히 디드로는 『1765년의 살롱』의 후속으로 쓴 『회화론』에서 아카데미의 공식 이론을 조목조목 비판하며 당대 천재 화가들의 미학적 성취를 이론화하고자 노력했다. 무엇보다 이 시기 디드로 회화이론에서 주목해야 할 문제는 이상적이고 아름다운 형상을 추구하고자 했던 전통적 입장에서 벗어나 추하고 기형적인 형상조차 재현의 대상이 되어야 한다고 보았던 점이다. 이미 초기 저작에서 부터 당대의 낡은 철학 사상을 경험적이고 실험적인 자연 철학으로 대체하고자 노력했던 디드로는 이와 같은 맥락에서 자연에는 어떠한 궁극 목적도 존재하지 않으며, 따라서 개별 존재는 종개념으로 추상화되어서는 안 되고 철학자는 물론 예술가들 역시 이들 존재 자체를 구성하는 내적 특징을 구체적으로 연구해야 한다고 생각했다. 괴물은 자연 질서의 일탈이 아니라 끊임없이 변화하는 자연 존재의 다양성으로 파악해야 한다. 따라서 화가는 오로지 대가로 인정받은 전임자의 기교를 따르고 이를 모방하는 대신, 그리고자 하는 대상을 끈기 있게 관찰하여 대상의 내적 연관 관계를 구체적으로 밝히고 이를 관람자가 마치 실제의 자연을 대한다고 느낄 수 있도록 효과를 살려내야 한다고 보았다. 예술가의 천재와 미적 감식안을 조화시키려고 했던 바퇴와 달리 디드로는 천재와 취향이 대립하는 지점을 살피며 바로 이곳을 새로운 미학이 형성되는 지점으로 보았다. 디드로에 따르면 예술은 실제 자연을 있는 그대로 모방하는 것도 아니고, 실제로는 존재할 수 없는 이상화된 자연을 상상하여 구현하는 것도 아니다. 예술은 단순히 모방으로 그쳐서는 안 되고 새로운 자연을 창조해야 하며, 그럴 때 비록 재현의 대상이 추하고 일그러진 기형의 모습일지라도 예술 작품에서는 숭고한 아름다움을 구현할 수 있게 된다.
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