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불어불문학연구검색

Etudes de Langue et Litterature Francaises


  • - 주제 : 어문학분야 > 불어학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-4350
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 92권 0호 (2012)
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Apres la restauration de 1647, l`Hotel de Bourgogne attire plus de spectateurs de qualite avec ses trente-huit loges. A cette epoque-la le decor simultane qui regnait dans la tragi-comedie cede petit a petit au decor unique. D`apres Michel Laurent, le ≪palais a volonte≫ joue un role important dans les representations de Corneille, alors que les decors de Racine sont plus varies avec les notices plus detaillees. Il est probable que Racine intervient aupres du decorateur pour indiquer les notations sceniques de ses tragedies. ≪Le palais voute≫ de Phedre devient une prison avec le temps et correspond merveilleusement aux conflits intimes des personnages. Les acteurs sont enserres par les murs et les voutes comme s`ils se retrouvaient dans une boite dont un seul plan serait ouvert. On pourrait supposer que l`heroine s`avance vers le public en regardant les chandeliers suspendus au-dessus de l`avant-scene pour s`adresser au soleil. Les comediens doivent, faute d`eclairage specifique les valorisant, declamer fort pour attirer l`attention des spectateurs et faire cesser le bruit de la salle. Le dramaturge distribue aux comediens les tirades en tenant compte de leurs capacites. Les tirades sont souvent des moments de passion pendant lesquels les comediens usent d`eloquence et le public en est friand. Considere comme le meilleur declamateur de son temps, Racine assiste aux repetitions pour donner les conseils aux comediens de l`Hotel de Bourgogne. Ceux-ci disposent de manuscrits dont la ponctuation est tres proche de celle du texte original imprime. Bien que la ponctuation serve d`abord a rythmer la cadence et a marquer quelquefois les tons et les intensites, il fait comprendre aux comediens son texte et sa maniere de declamer chaque vers. Mieux que quiconque, Racine sait regler la voix selon les situations, les passions, les figures et les mots. Il guide scrupuleusement la Champmeslee dans les paroles et les gestes tragiques. Corneille ecrit que ≪la representation dure deux heures≫ et les temoignages du XVIIIe siecle le confirment. Selon le Catalogue de Pieces choisies du Repertoire de la Comedie-Francaise, la duree moyenne des representations de ses 8 tragedies est de 1 h 59, celle des 7 tragedies de Racine est de 2 h 6. Quant a Phedre, les representations modernes qui finissent en deux heures sont beaucoup plus nombreuses que celles qui depassent 2 heures. La mise en scene de Phedre de Patrice Chereau constitue un cas exceptionnel: il met en valeur le silence et l`expressivite des details dans sa representation dont la declamation dure 2 h 15. Donc il n`est pas exact d`affirmer que la vitesse de la declamation tragique aux XVIIe et XVIIIe siecles etait considerablement plus rapide que celle d`aujourd`hui.

『바시르 라자르』에서 『라자르 선생님』으로

김도훈 ( Do Hoon Kim )
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Pour ecrire Bashir Lazhar Evelyne de la Cheneliere s`est inspiree de ses experiences de l`Alterite qu`elle ressent quand elle se fait l`Autre en tant qu`auteure dramatique et actrice. Bashir Lazhar fait partie de la litterature migrante quebecoise dont l`ecriture fait decouvrir l`Autre a ceux qui veulent decouvrir soi-meme. De meme qu`a travers le regard d`un homme algerien une auteure quebecoise prend conscience de soi, les interlocuteurs du monologue de Lazhar qui se trouvent en deca du quatrieme mur sont convies, eux aussi, a prendre conscience de soi en constatant l`etrangete du personnage. Lazhar, deracine, a besoin qu`on le reconnaisse comme refugie politique, et il ne cesse de repeter devant le miroir pour recomposer sa nouvelle identite. Mais il ne veut pas suivre les regles de jeu de l`espace qui l`a acqueilli. Sensibilise a la violence suibie en Algerie, il veut discuter avec les eleves sur la violence a l`ecole. Ce qui lui coute le poste d`enseignant. Nous avons affaire a un vieux theme de confrontation entre le systeme et les individus; les eleves et Lazhar sont les victimes de la violence du systeme scolaire. Mais sous un jour que nous prenons, nous y voyons la rencontre du systreme quebecois et des migrants d`une part et celle de l`ecriture quebecoise et l`ecriture migrante d`autre part; de meme que l`effet de l`Autre de Lazhar a bouleverse le systeme scolaire en sensibilisant les eleves a la violence a l`ecole, l`ecriture migrante a transforme la litterature quebecoise. Nous ne considerons pas le film de Falardeau comme une simple adaptation d`une oeuvre dramatique. Le texte dramatique n`est qu`un pretexte pour Falardeau qui en a fait non seulement un film mais un film quebecois. Son film est dans la lignee de l`histoire du cinema quebecois avec ses thematiques propres, notamment celles de relation pere-fils et de transfert culturel. Le point de vue d`un enseignant migrant et celui des enfants jouent le role important dans ce film. Dans des films ou les images des migrants sont marginalisees, le paysage du Quebec couvert de neige symbolise l`essence quebequoise dans laquelle fait tache d`huile un migrant qui a du mal a prendre racine dans le sol quebecois, tandis que l`image du slush de Monsieur Lazhar fait preuve du caractere deja metisse de la societe quebecoise. Les images clichees que le cinema quebecois nous donne du pere sont celles du "loser" qui n`est pas la ou il devrait etre. Mais depuis des annees 1990 le cinema quebecois nous donne a voir une nouvelle figure paternelle, et le regard des enfants y joue un role important; ce sont les enfants qui restaurent la figure du pere. Monsieur Lazhar raconte l`histoire d`un migrant algerien qui a perdu sa famille en Algerie. Au Quebec il prend en charge une classe de sixieme a la suite du suicide de l`institutrice. Entre lui et Alice qui n`a pas de pere, s`etablit un rapport qu`on pourrait qualifier de parental. C`est Alice qui adopte un pere en embrassant Lazhar. La salle de classe dans laquelle ils s`evoluent devient donc litteralememt une ecole du pere. Le pere n`est plus un etre lie a l`enfant par le sang, et il ne predetermine plus le sort de l`enfant comme dans une communaute sedentaire. Un nouveau rapport pere et enfant s`etablit a partir du nouveau discours d`un migrant qui ne se soumet plus au lien du sang.

제라르 드 네르발의 작품 속의 환상의 여인 -Sylvie, Octavie, Corilla를 중심으로-

김순경 ( Soon Kyung Kim ) , 양성주 ( Yang Sung Joo )
6,600
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Pour Gerard de Nerval, l`ecriture est l`acte par lequel il verifie son identite et cherche le sens de sa vie. Il a manifeste son desir refoule dans son oeuvre melangee de reve et de realite. Nerval a espere une autre vie en s`identifiant au heros ideal de son oeuvre. Il a voulu dissiper le regret et le desir ardent pour `une absence` qui a laisse un si grand vide qu`aucune femme n`a jamais pu combler. Par l`absence de la femme qui resulte de la mort prematuree de sa mere et de l`echec de l`amour avec Jenny Colon, il idealise les femmes de son oeuvre. Enfin, l`absence de l`objet d`amour, qui est la base de son fantasme, n`a laisse que `l`image`. Dans Sylvie, Octavie et Corilla, l`image sublime et ideale de la femme se repete. La scene du theatre et la fete en harmonie avec le reve et la realite sont un monde de fantasme. La, les femmes existent seulement comme une `apparition`, qui, a chaque pas, montrent divers visages qui seduisent le heros. `La distance magique`, `l`eclairage de la scene`, `le clair de lune et les rayons du soleil` mettent en exergue l`image sublime de la femme. De meme, la maison decoree de nombreux bibelots adorables n`est plus un espace reel. L`humble chaumiere avec le fabuleux `bric-a-brac` mythique qui la caracterise-apparait comme un `palais`. Cela se traduit par le heros qui ouvre la porte pour entrer dans la chambre, et qui se dirige vers sa nouvelle fantaisie. On y trouve une femme paree de bijoux. De meme que pour les splendides costumes des actrices de theatre, les bijoux et les vetements ont deguise la femme reelle en une femme parfaitement surnaturelle. Son corps ainsi revetu lui donne le relief de l`image de la femme ideale. Paree de ces bijoux etincelants, sa figure se transforme en une deesse de beaute. Mais ces femmes n`ont pas de reelle identite. Elles ne sont uniquement qu`une existence comme une `apparition` qui satisfait a tous les fantasmes d`un heros sans resistance. L`image de la femme ne se fixe pas a une femme, mais varie. Nerval s`efforce de recreer l`image sublime et maternelle d`Isis, `l`Unique`, tournant sans cesse autour de cette image, et lui vouant son adoration. Ainsi, toutes les femmes sont `deja perdues` et seule `l`image` subsiste pour Nerval. De meme, l`objet de son amour n`est pas la femme reelle mais `l`illusion` que procure son image.

메쇼닉의 시학

김시몽 ( Si Mon Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 89-104 ( 총 16 pages)
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메쇼닉은 언어학자이자, 번역가이자, 시인이었다. 그의 말로는 이 세 정체를 분리할 수 없는 것이었다. 그에게 있어서는 언어의 고찰, 번역의 실행과 시의 창작은 똑같은 작업이었다. 예컨대, 언어를 연구하는데 중요한 요소가 되어버린 리듬에 관한 개념은 성경을 번역하면서 발견을 했고 또한 시를 직접 창작했기에 성경의 번역전략을 세울 수 있었다고 한 바가 있다. 본 논문은 메쇼닉의 언어와 번역에 관한 연구 및 활동이 시 창작에 미친 영향을 살피고자 한다. 메쇼닉에게 가장 핵심적인 개념은 성경을 번역하면서 발견한 것이다. 우선기존의 성경 번역을 보면 번역의 본질을 의문하는 수밖에 없다. 종교적인 글이니만큼, 또한 소위 복음을 전파하자는 문서이니 만큼, 이 번역은 색깔을 입히기가 십상이다. 따라서 카톨릭에 의한 성경번역과 개신교나 유대교에 의한 성경 번역은 사뭇 다르다. 종교 이념을 뒤로 하고 문서로 성경을 접근하는 메쇼닉은 원문의 시적(詩的) 성격을 발견한다. 그 시적인 성격은 바로 언어의 리듬에 있다. 이에 이어 리듬의 시학을 성경번역에 머물지 않고, 모든 번역작업에 실행해야 한다는 메쇼닉의 번역이론은 리듬이란 단어 하나하나의 뜻을 넘어 한텍스트의 뜻과 미(美)를 규정해주는 것이다. 더 나아가 메쇼닉은 이런 `리듬의 시학`을 시창작에도 사용했다. 본 논문은 리듬의 시학이 시창작에 무슨의미를 갖고 있는지를 살피고자한다.

『팡세』의 “클레오파트라의 코”에 나타난 문화적 함의

김화영 ( Hwa Young Kim )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 105-131 ( 총 27 pages)
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≪Le nez de Cleopatre≫ dans les Pensees de Pascal est une expression si celebre que la phrase est devenue, separee de son contexte, un aphorisme. Mais les explications sur le fragment contenant le nez de Cleopatre ne sont pas suffisamment developpees. Notre propos est donc de considerer les connotations culturelles des differentes couches de sens: la personnage de Cleopatre, les trois editions des Pensees et leurs traductions coreennes. D`apres les documents historiques, la beaute de Cleopatre n`etait nullement exceptionnelle. Son charme ne venait pas de sa beaute physique mais de l`agrement de sa conversation, de son aisance a manier diverses langues. D`ailleurs, sur les medailles et les monnaies en Egypte antique, on constate que son nez etait aquilin. Si Pascal invite a imaginer sa beaute comme etant pleine de charme et capable de remuer tout l`univers, ce n`est pas par fidelite a la realite historique mais en suivant l`opinion mondaine de l`epoque. Il lui suffisait, pour montrer aux libertins la cause et les effets de l`amour, de leur donner son exemple. Les fragments concernant Cleopatre sont au nombre de trois mais ils se trouvent disperses dans les Pensees; le fragment le plus court et offrant les mots cles est dispose dans la liasse 2(Vanite), le fragment plus developpe dans la liasse 15(Transition) et le fragment complet, qui perfectionne le precedent, dans la liasse non classe. Qu`est-ce donc qui justifie cette repartition des trois fragments ? Meme si la pensee et le schema fondamental sont les memes entre les trois fragments, Pascal ne les a pas fait entrer ensemble dans la liasse Vanite. La construction repose sur la repetition et l`evocation; au personnage de Cleopatre, evoque par son seul nom, se substitue son nez dans une allusion enigmatique. Ensuite la vision complete est montree dans le dernier fragment le plus developpe. Dans le domaine des ≪expressions figees≫, notamment pour les proverbes, aphorismes, et autres, la traduction ne saurait se borner a etre uniquement la facon de rendre cette expression par une autre ayant un sens equivalent. Car les expressions idiomatiques contiennent une connotation culturelle et une distance a la fois temporelle et spatiale. Nous remettons donc en cause la traduction coreenne de cette phrase, ≪Le nez de Cleopatre, s`il eut ete plus court≫. Dans la plupart des traductions, le probleme de la longueur du nez se transforme en celui de sa hauteur. Cela ne reflete pas seulement l`effacement de l`Autre a un ordre physiognomique et esthetique, mais un complexe physique venu de l`imperialisme cuturel.

서문(序文)에 나타난 비평의 팔랭프세스트 -유르스나르 『연극2 Theatre 2 』의 경우

박선아 ( Sun Ah Park )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 133-157 ( 총 25 pages)
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Marguerite Yourcenar reecrit les trois mythes grecs d`Electre, d`Alceste et de Thesee dans son Theatre II. Dans les prefaces de ce dernier, elle parcourt l`histoire des sources et enumere bien des references par rapport aux auteurs antiques et aux themes chers a ceux-ci. Youcenar les y analyse, commente et critique parfois acrement en presentant sa propre interpretation critique. Elle quete toute la richesse du passe dans ses prefaces en partageant le savoir et la memoire litteraire(culturelle) avec les anciens. Notre etude a desormais pour l`objectif de decouvrir le monde palimpseste dans les prefaces yourcenariennes. L`image palimpseste y ressemble a l`ecriture intertextuelle qui concerne un travail de transformation et d`integration de plusieurs textes. Nous avons analyse les trois prefaces sur le plan paratextuel, surtout concernant la fonction prefacielle et l`epigraphe. Il se definira comme le palimpseste du paratexte. Ensuite, nous allons mettre en lumiere le palimpseste critique, d`abord en distinguant de la critique des sources le palimpseste. Ce dernier, contrairement a celle-la, consiste a la recherche de l`origine entre les intertextuels en plusieurs strates. L`intertexte y fonctionne comme une force a la fois diffuse et cohesive, et constitue une origine latente par rapport a un autre texte. Il est ainsi en evaluant le texte "eclate, heterogene, fragmentaire" que le monde imaginaire de palimpseste se realise. Enfin nous allons egalement examiner le palimpseste critique, en gardant un certain ecart ou une distance contre l`imitation des anciens modeles. D`apres la theorie intertextuelle sur l`imitation en particulier liberale, nous tentons de mettre en lumiere l`originalite de la transfiguration mythologique chez Yourcenar, qui veut depasser ses anciens modeles et produire du nouveau, tout en utilisant ceux-la comme un tremplin. Par consequent, les trois prefaces sont un lieu de palimpseste dont on a fait chaque fois disparaitre les inscriptions pour y ecrire de nouveau. La ou la critique de l`erudition yourcenarienne et la reponse des lecteurs cultives s`entendent harmonieusement en faisant revivre et convergeant la memoire litteraire a des plusieurs degres. Il est ainsi dans ces prefaces que le monde palimpseste correspondant a l`esthetique yourcenarienne s`accomplit.
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La grande partie des oeuvres de Jules Verne est consacree aux romans d`aventures et au theme sur la mer. Surtout, dans L`Ile mysterieuse et Deux ans de vacances il parle des robinsonnades: le naufrage se retrouve isole de son pays d`origine sur une ile deserte a la suite d`une aventure involontaire; Il fait l`experience de `la navigation et du naufrage et de l`isolement`. Le romans de Jules verne raconte aussi le naufrage et l`ile deserte dans l`Histoire du 19eme siecle. Pour nous permettre donc de relever les caracteres des robinsonnades dans les romans verniens, d`abord nous les avons examines a travers les oeuvres considerees comme un sous-genre du roman de Daniel Defoe: Robinson Crusoe(1719), Vendredi ou les limbes du Pacifique(1967) de Michel Tournier, Foe(1986) de J. M. Coetzee. Ensuite, nous avons analyse L`Ile mysterieuse et Deux ans de vacances au point de vue des robinsonnades: "voyage; nauffrage; rupture initiatique d`avec le passe; appropriation geographique, technique de l`ile; role ambivalent du monde exterieur; depart; nouvelles epreuves, et sequence finale." Non seulement Jules Verne imite le roman de Daniel Defoe, mais il transforme le naufrage et l`ile deserte pour montrer les valeurs de son epoque. Enfin, nous avons aborde le rapport de Jules Verne a la relation du naufrage avec l`ile deserte: la colonnisation et la civilisation de l`ile. Mais nous avons finit par decouvrir le paradoxe de l`ile deserte chez Jules Verne. C`est-a-dire que dans L`Ile mysterieuse et Deux ans de vacances, l`ile deserte n`a pas les composantes obligees des robinsonnades ainsi que la solitude de l`ile et l`isolement de l`homme. Jules Verne met l`accent sur les aventures de ses personnages dans l`ile et les valeurs de son epoque ainsi que l`eloge de la science et des techniques, quoiqu`il suive l`exemple du roman de Defoe. Lise Andries ecrit dans Robinson: "Les robinsonnades sont un genre extremement sensible a l`Histoire. Elles sont les miroirs complaisants ou severes que la societe veut se donner d`elle-meme." Jules Verne cree donc `Robinson de science` et `le pensionnat de Robinson` dans L`Ile mysterieuse et Deux ans de vacances. Quoiqu`il represente fidelement l`heritage de son epoque, dans L`Ile mysterieuse il raconte le solitaire, Nemo et l`episode de l`explosion volcanique de l`ile. Pour cela, il concourt a la naissance de nouveaux Robinsons d`aujourd`hui.

외젠 이오네스코의 반(反)이데올로기적 연극의 역설

박형섭 ( Hyung Sub Park )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 181-206 ( 총 26 pages)
6,100
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Lorsqu`on evoque aujourd`hui le nom d`Eugene Ionesco, on pense d`abord a son theatre et a la vague d`innovation dramatique de l`apres-guerre qui l`accompagne. On songe aussi, presque immediatement, a La Cantatrice chauve et a La Lecon, que le 《Theatre de la Huchette》 n`a cesse de jouer depuis 1957. Des termes generiques nous viennent ensuite a l`esprit, comme le theatre de l`absurde (Martin Esslin, 1961). Ionesco refuse d`appartenir a aucune ecole. Et il prend parti pour la liberte absolue du dramaturge. Il ne respecte ni les genres traditionnels, ni les regles communes aux differents genres. Pas de scene d`exposition, pas d`intrigue, mais une succession de moments commandes par les rapports ambigus de l`illusion et de la realite. Pas de psychologie, mais des gens sont la proie de cliches, formules. "Eviter la psychologie ou plutot lui donner une dimention metaphysique." c`est un theatre anti-ideologique ou anti-theatral. Mais l`anti-ideologie aussi, selon nous c`est une sorte d`ideologie. N`est-ce pas le paradoxe d`Ionesco? Dans ce point de vue nous allons examiner les quelques themes comme suite: le theatre abstrait, la pathologie langagiere, le temps et des objets et le paradoxe de l`anti-ideologie au niveau du theatre d`Ionesco. Pour ce dramaturge le langage dramatique peut etre considere comme une fantasmagorie. Les personnages prennent une allure onirique si bien que la frontiere vacille entre reve et realite. On y voit l`onirisme et l`insolite. C`est la negation de la pesanteur materielle et l`affirmation d`un essor spirituel. La realite du temps et des objets se melange dans le present atemporel comme Present passe, passe present. Et puis le monde d`Ionesco aboutit a `un theatre ionescien`. Ionesco definit son theatre comme la projection sur la scene d`un univers interieur. Elle n`exprime pas en clair une ethique, un systeme de valeurs. Mais la prise de conscience des problemes marque son propre engagement. En fin de compte, l`oeuvre d`Ionesco est paradoxalement engagee dans l`histoire de l`art.

필로멜레 신화와 시의 기능 -롱사르, 테오필 드 비오, 라 퐁텐의 경우-

손주경 ( Joo Kyoung Sohn )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 207-233 ( 총 27 pages)
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Le mythe de Philomele, figure par excellence de la voix et du chant poetiques romantiques, a ete souvent employe par les poetes de la Renaissance et du XVIIe siecle comme Ronsard, Theophile de Viau et La Fontaine qui ont bien voulu tous attribuer la nouveaute a la poesie francaise. Pour eux, le role du mythe est un cas tres particulier d`un probleme, puisque le sens du texte ambigu et deguise que suscitent le destin et la voix de Philomele sert a manifester la fonction de la poesie. Le sonnet CLX des Amours de Ronsard semble se constituer en structure equilibree que promit le contraste entre le plaisir printanier et la solitude du poete abandonne par son amour. La presence de Philomele dans la strophe 2 detruit pourtant cet equilibre entre strophes pour mettre en question la fonction de la nature dans laquelle s`abrite le poete malheureux. Ce dernier ne s`empeche pas de ≪conter≫ sa tristesse sans recevoir des consolations de sa roche secrete qu`il a choisie pour charmer sa solitude. Theophile de Viau reprend le theme de solitude pour sa propre poesie ou la nature ne temoigne plus du role de l`adoucissement de son malheur comme le cas chez Ronsard. Dans ce lieu de la retraite loin de la ville resonne encore le chant du personnage mythique qui se souvient de son amour malheureux. Theophile presente de maniere allusive et par l`introduction du mythe de Philomele que la melancolie du poete peut se guerir non par la moderation de la vie, mais par la memoire de sa douleur. La Fontaine lui aussi soutient la fonction ambigue de la nature, bien qu`il met en equilibre la structure apparemment bien opposee entre ville, lieu de la violence et foret, espace de la consolation. On decouvre le desaccord, mais dissimule dans le dialogue entre Progne et Philomele qui n`ont jamais l`intention de se respecter et de reconnaitre chacune la volonte de son partenaire. En outre, la nature dans lequel se cache Philomele, figure tragique du victime de la violence, lui permet de rappeler que cette espace solitaire etait un lieu domine par la douleur dans le passe. L`apparence equilibree de la structure de la fable est ainsi detruite par la presence de Philomele dont la fonction de la foret reste ambivalente. L`ambiguite ou l`ambivalence, mais deguisee des poemes nous permet de devoiler la fonction de la poesie qui se sert du desequilibre, phenomene de l`instabilite du monde ou vivent les poetes. Ces derniers soutiennent que la propre nature de la poesie est de cacher et a la fois de dissimuler le sens, comme se cache Philomele dans la nature, puisque la poesie est un fruit de l`activite de se souvenir du passe tragique comme en temoigne le chant de cette figure.

메리메의 『카르멘』과 열정의 취급법

송진석 ( Jin Seok Song )
한국불어불문학회|불어불문학연구  92권 0호, 2012 pp. 235-262 ( 총 28 pages)
6,300
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Carmen de Prosper Merimee montre une facon tres particuliere de traiter des passions, et notre etude se propose de l`examiner sur divers plans et niveaux de la nouvelle. Nous nous arretons d`abord sur la configuration des heros-narrateurs pour observer qu`ils prennent des relais afin de narrer des recits qui se recoupent en partie, et qu`ils se voient par la en une relation de doubles. Ensuite, nous nous examinons la forme speciale du livre: d`une part, la nouvelle de Merimee presente un prologue et un epilogue qui rappellent tous les deux un rapport scientifique; d`autre part, elle se trouve munie de notes au contenu aussi informatif qu`objectif. Apres cette consideration sur le plan formel de l`oeuvre, nous nous tournons du cote de l`histoire. Et nous nous appliquons cette fois a observer le rapport des personnages pour constater que, meme si elle presente une histoire d`amour, Carmen ne developpe point les potentiels psychologiques qui se presentent a chaque tournant diegetique. Cela distingue la nouvelle de Merimee de l`opera de Bizet qui developpe quant a lui les relations triangulaires, introduisant un nouveau personnage. Nous examinons dernierement l`opposition de don Jose et de Carmen pour definir le caractere de l`heroine en tant qu`une incarnation de la liberte absolue ou de la souverainete, dont parle Georges Bataille, ainsi que pour constater ceci de bien curieux: comme heros, don Jose maintient intacte jusqu`au bout sa passion pour Carmen; mais, comme narrateur, don Jose decrie ou cache son attirance. Tout se passe comme si toute l`oeuvre de Carmen traitait la passion de facon rapide et seche, afin que ce traitement meme refroidisse ou neutralise cette chose brulante et dangereuse. Et pourtant, ce traitement voit, semble-t-il, surgir un effet paradoxal et mysterieux, car la passion gagne la une expression dont la purete et l`intensite se revelent inegalables. C`est cette particularite, qu`on n`a d`autre nom que l`art pour l`appeler, que nous voulons regarder de pres a travers cette etude.
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