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The Comparative Study of World Literature


  • - 주제 : 어문학분야 > 국문학
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1226-6175
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 36권 0호 (2011)

다케우치 요시미(竹內好)와 루쉰(魯迅)

이핑 , 안노마사히데
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今年是魯迅誕生130周年。値此,正如日本東京大學敎授、魯迅硏究者藤井省三在其近著「魯迅--活在東亞的文學」(岩波書店、2011)裏所說的---壹種從東亞視點看魯迅的熱流正在湧動。本稿執筆者也贊同這壹動向。爲此,僅向韓國的魯迅硏究者介紹日本的魯迅硏究者--竹內好。在日本的第二次世界大戰的戰前和戰後,竹內好是投入最大的熱情和精力硏究魯迅的人,他不僅爲後人留下了大量的魯迅硏究論著,也是흘今爲止魯迅硏究者中留下文獻最豊富的魯迅硏究者。是他,把魯迅硏究導向有體系的硏究。在硏究過程中,他不斷提起新問題,以此不斷給日本的魯迅硏究者以新的刺激和不斷開拓魯迅硏究新領域的意欲。竹內的魯迅硏究雖不能說是成功的,但通過魯迅硏究來不斷地自我反省,自我發現的願望還是値得評價的。他的魯迅受容有흔多過于主觀的色彩,缺乏曆史觀和客觀性,但他想通過魯迅硏究來更多地了解中國,從中汲取營養竝介紹給日本人民的目的還是會得到更多人的共鳴的。而這也正是竹內魯迅硏究的價値所在.
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본 논문은 2000년 노벨문학상 수상작인 高行健의 『靈山』과 중국 전통문학의대표적인 작품인 屈原의 『楚辭』을 상호 비교한 논문이다. 『靈山』이 창작된 지이미 20년이 지났지만 그 문학적인 매력은 세월의 흐름과 더불어 더욱 그 작품의 가치를 보여주고 있다. 高行健은 동, 서양문학의 영향을 많이 받았기 때문에 『靈山』에서 내포하고 있는 가치는 어느 한 가지 측면에서 평가하기 어렵다. 高行健은 1982년부터 시작해서 『靈山』을 구상했는데, 중국 양자강 문화의 시원을 찾는 과정을 매우 복잡하게 보여주고 있다. 본 논문은『靈山』속에 나타나는 屈原의 『楚辭』 영향을 고찰하며 두 작품 속에 나타나는 작가의 인생역정과 창작기교에 대한 분석을 시도하였다. 高行健은 어렸을 때부터 남경에서 생활하면서 양자강문화의 영향을 많이 받아 양자강 유역 문화에 대하여 자부심을 가지고 있었다. 하지만 문화대혁명과 『車站』의 공연 금지, 그리고 아내와의 이혼, 폐암선고 등은 그에게 정신적으로나 심리적으로 많은 상처를 주었다. 그래서 그는 홀로 배낭을 메고, 양자강유역의 오지를 찾아 세 번이나 여행을 떠났다. 그의 이런 경력을 자연히 屈原을 연상하게 했고, 『靈山』에서 확실히 『楚辭』의 영향을 발견할 수 있었다. 『靈山』은 현실 속의 여행과 상상 속의 여행이라는 『離騷』 모델을 답습하고 있는데, 屈原은 歌唱詩에서 朗讀詩의 과도를 시도했고, 『離騷』는 운문과 산문의 결합이다. 高行健은 시각문학에서 청각문학의 과도를 시도했고, 『靈山』은 소설과 산문 등 장르를 결합하고 있다. 이는 중국 당대문학에서 새로운 형식을 시도한 것으로 후세에 많은 영향을 줄 것이다. 이밖에 高行健과 屈原은 모두 기존의 가치체계에 대하여 끊임없이 회의를 했는데, 『天問』과 『靈山』의 비교에서 그 공통점과 차이점을 찾아낼 수 있었다. 高行健은 고전문학의 영향을 많이 받았고, 『영혼의 산』에서도 고전소설의 서사기교를 많이 이용했지만, 중국과 한국에서는『靈山』과 고전소설과의 영향관계를 연구한 논문이 한 편도 없다. 당대문학과 고전문학과의 종적인 영향관계 연구는 중국 당대문학을 연구하는 중요한 과정이다. 본 논문은 비록 많이 부족한 점이 있지만 새로운 연구를 시도했다는데 그 의미를 두고자 한다.

『슌킨쇼』의 몇 가지 문제점

허호
6,600
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1933년 6월호 『中央公論』에 발표된 다니자키 준이치로의 대표작 『슌킨쇼(春琴抄)』는 관동대지진을 계기로 다니자키가 간사이지방으로 이주한지 10년째 되던 해에 발표한 작품이다. 이미 간사이지방의 풍습이나 전통 및 언어 등에 익숙해진 다니자키는 고전문학과 예능에 관한 해박한 지식을 바탕으로 『슌킨쇼』를 완성시켜, 다니자키문학만이 아니라 일본근대문학의 정점에 서는 작품이라는 찬사를 받았다. 특히 다니자키는 『슌킨쇼』보다 2년전에 발표된 『맹목이야기(盲目物語)』의 경험을 살려, 자신의 역량을 마음껏 발휘하면서 별다른 어려움 없이 『슌킨쇼』를 완성시켰던 듯하다. 본고에서는 이러한 『슌킨쇼』의 작품구조를 간략히 소개함과 동시에 도표를 만들고, 그것을 참고하면서 작품이 안고 있는 몇 가지의 문제점에 관해서 고찰해봤다. 우선 다니자키는 『슌킨쇼』에 사실감을 부여하기 위하여 작품의 서두에서 주인공들의 묘지를 소개하고 이어서 『모즈야슌킨전(격屋春琴傳)』이라는 허구의 책자와 증인들의 이야기 등을 동원하고 있다. 특히 고전 속에서나 가능한 이야기를 현대와 접목시키는 방법으로 독자들에게 위화감을 주지 않고 이야기를 진행시키는 방법은 큰 효과를 발휘한 것으로 보인다. 다음으로 작품 속에 설치된 장치라는 의미에서 맹목의 의미와 화상에 관해서 고찰해 보았다. 부유한 집안에서 태어나 빼어난 용모와 음악에 관한 천부적 소질을 지니고 있는 슌킨이 하인 사스케와 맺어지려면 그녀에게는 상당한 약점이 있어야 하기에, 작품에서는 그 약점을 맹목으로 설정한 것이다. 하지만 사스케에게는 맹목의 슌킨이 오히려 더 아름다운 모습으로 비치기 때문에, 비천한 신분으로서는 상상조차 할 수 없었던 상대를 얻게 된 것이다. 또한 후반에 이르러 슌킨이 얼굴에 화상을 입는 장면을 둘러싸고 범인이 누구인가 하는 문제로 일본문단이 한 동안 술렁거렸지만, 본 논문에서는 범인색출보다 는, 어째서 슌킨의 미모가 후반에 이르러 훼손되어야 하는가 하는 점을 고찰해봤다. 결론적으로 『슌킨쇼』는 전반부와 후반부의 사이에 상당한 괴리가 존재하며, 그 이유는 나이어린 소년 소녀의 이야기로부터 영원한 여인상을 만들어내기까지 무리하게 이야기를 통일시키려 했던 탓이라 하겠다. 또한 “영원한 여인상”이 지니는 모순점도 아울러 언급해 보았다.
6,600
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A contemporary British novelist, Anglea Carter said, “I believe all myths are products of the human mind and reflect only aspects of material human practice. I`m in the demythologising business.” Carter demythologises Shakespeare, the English cultural hero in her last work, Wise Children, which is the story of Dora and Nora, the twin illegitimate daughters of Melchoir Hazard, “Mr Britain Theatre himself.” Wise Children criticizes the way in which British imperialism and patriarchy appropriated Shakespeare and cast him as a founding myth in their own image. In the novel, the founder of the ``Hazard dynasty``, Ranulph, one of actor-managers of the Victorian era, assumes the mission of “taking Shakespeare where Shakespeare had never had before.” The description of tour draws a parallel between Ranulph`s proselytising on behalf of England`s imperial occupation of territories across the globe. Ranulph`s son, Melchoir, who inherits his father`s theatrical profession, also assumes a similar mission and ambition. They are never to succeed, though. Both of them turn out to be losers, and their family ruined. The collapse of this cultural imperialism is articulated with the fall of Ranulph and Melchior, representing bardolatry and ‘legitimate’ Shakespearean theatre. Wise Children challenges furthermore the long history in which the British have been obsessive in dividing British culture into high and low, and fashioning Shakespeare as a symbol of high culture. Carter`s re-imagining of Shakespeare shows her affirmation of popular culture and the rude health of popular language and humor as a long-lasting, effective means of survival, many of which are found in Shakespeare.
7,500
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This paper intends to analyze different perspectives of the two translators, reflected into the two versions of Korean translation of Native Speaker (1995), the first novel written by the Korean-American novelist Chang-rae Lee. As literary translation is a product of another form of the translator`s personal reading of the text, different versions of translation often indicate different perspectives of translators toward the original text, and these differences become more important to understanding the meaning and value of the work, more than endless debates regarding mistranslation of the text. Hyun`s Korean translation of 1995 attempts to situate Lee`s novel under the umbrella of Korean literature, considering the theme of the novel as Korean immigrants` nostalgia for Korean culture and identity. This perspective leads to more natural translation with the frequent use of Korean cultural equivalents, trying to remind Korean readers of cultural connection to the author. However, Chung`s translation of 2003 views Lee`s novel as part of contemporary American literature which deals with the alienated life of immigrants in the multi-cultural society of America in which these immigrants are required to create a new kind of hybrid identity. This perspective is reflected in Chung`s careful attention to word choice, sentence structure and stylistic characteristics, often found in poetry translation. However, this difference does not exclusively derive from the translators` personal views on the novel. Rather, it has been critically influenced by the elevated status of the writer as one of the most representative contemporary American writer, not anymore Korean-American writer. Also, more careful attention in Chung`s translation to the writer`s style and literary identity leads to the translator`s efforts to keep Lee`s linguistic elegance and literary style intact in the translation, often creating poetic effect. Literary translation is never a form of perfect and omniscient reading of the text by a translator, and, in this sense, analyzing translators` perspectives reflected in the translations of the same novel provides a valuable tool to understanding the text from different perspectives.
7,200
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‘Metafiction’ est un terme donne a l`ecriture de fiction qui attire, consciemment et systematiquement, l`attention sur son statut comme un artificiel afin de poser des questions sur la relation entre fiction et realite. Le texte de fiction sera ``metafictionnel`` s`il invite a une prise de conscience critique de lui-meme. La metafiction appelle donc l`attention du lecteur non seulement sur le fonctionnement de l`artifice de la fiction, mais aussi sur sa creation, sa reception et sa participation aux systemes de signification de la culture. Le terme est peut-etre nouveau, pourtant la pratique est aussi vieille, sinon plus, que le roman lui-meme. Nous proposons ainsi de comparer la ressemblance entre la metafiction post-moderne et la fiction du dix-huitieme siecle. Nous nous interesserons surtout a l`auto-reflexivite de la metafiction et a la prise de conscience de soi dans les romans de Diderot. Les textes romanesques de Diderot sont remplis de divers procedes narratifs qui remettent en cause des formes de la vie et de la representation; l`emploi du paratexte, le developpement de formes de satire ou de parodie, les formes ludiques pour interpreter l`opacite des signes, l`intrusion du lecteur-narrataire par l`intermediaire des questions et des commentaires, l`accumulation de ‘pseudo-digression’ realisee par la liberte quasi-royale de l`auteur-narrateur paradoxalement contrainte d`accepter la transaction narrative, les coincidences entre la continuite et la discontinuite destinees a pousser le texte a se dire texte et a exhiber les traces, etc. Les formes en fonction desquelles Diderot structure ses histoires peuvent alors etre facilement percues comme relatives. On peut donc comprendre que, pour fugitive qu`elle ait pu etre, une telle prise de conscience ait pu deboucher au moins ponctuellement sur un certain nombre de pratiques ``metafictionnelles`` qui eurent pour effet de mettre en evidence leur relative artificialite ainsi que leur dimension ``fabriquee``. Une telle ressemblance nous permet de rendre compte au moins en partie que Diderot ait ete amene a s`engouffrer dans un espace de liberte qui s`entrouvrit pour produire un roman dont l`apparition ne doit pas etre rapportee a l`originalite de son auteur ou a son genie. La ``mort du roman`` que pretendent les postmodernistes et la ``naissance du roman`` pourraient s`entremeler ou se coincider a l`interieur meme du roman qui demande une prise de conscience critique du texte, car la metafiction est essentiellement une tendance ou une fonction inherente a tous les romans.

오토픽션의 이론 : 기원과 변천 및 글쓰기 전략

변광배 ( Kwang Bai Byun )
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Le principal objectif de cette etude est de donner un peptit apercu theorique sur l`autofiction. En fait, c`est en 1977 que cette notion est entree dans l`histoire de la litterature par Serge Doubrovsky, romancier, universitaire et critique litteraire. Ou plus exactement, c`est a la quatrieme de couverture du Fils, son roman, qu`il a utilise pour la premiere fois cette notion afin d`en qualifier. Serge Doubrovsky est parti en effet de la frontiere delimitee par Philippe Lejeune, specialiste de l`autobiographie, entre le roman et l`autobiographie en observant le pacte autobiographique. Mais en relevant le defi contre ce pacte, Serge Doubrovsky a pretendu qu`en ecrivant un roman ou l`auteur, le personnage et le narrateur s`identifient les uns aux autres, il a reussi a remplir un case laisse vide par Philippe Lejeune. Autrement dit, il a defendu en faveur une fiction faite a partir des evenements et des faits reels qu`il a vecus dans sa propre vie. D`ou nait l`autofiction. Depuis sa mise a jour, cette notion a attire beaucoup d`attention de ceux qui travaillent dans le champ litteraire. Des l`entree dans la scene litteraire, cette notion a provoque bien des debats pour determiner surtout si elle est capable de creer un genre nouveau litteraire. Deux camps s`opposent l`un a l`autre dans ces debats. Pour ceux qui sont contre l`autofiction, elle n`est qu`un genre batard. Ce caractere de batardise decoule du melange des deux elements hybrides de l`autofiction, c`est-a-dire de l`auto et de la fiction. C`est a partir de la qu`on parle du pacte oxymoronique ou du pacte contradictoire de l`autofiction. Mais pour ceux qui sont pour l`autofiction, ce pacte est un des moyens qui pourraient etre plus souples et plus francs dans l`ecriture de soi. Par ailleurs, il conviendrait de noter que l`apparition de l`autofiction n`est pas indefferente aux resultats obtenus dans plusieurs domaines de sciences humaines, notamment psychanalyse, linguistique, structuralisme, dans lesquelles ont ete traites surtout la mort de l`homme, la destruction du sujet, la crise de la referentialite et de la representation, le statut politique et ethique de la minorite, etc. Dans la seconde etape de notre etude, nous allons tenter d`appliquer tous les resultats de cette etude a une oeuvre litteraire que nous avons choisie, Les Rues obscures de la rue de Patrick Modiano, un des auteurs mondialement connus du XXe siecle de la France.

과학과 시: 가스통 바슐라르의 이원성과 통일성

송태현 ( Tae Hyeon Song )
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L`oeuvre et la vie de Gaston Bachelard se caracterisent par la "tension complementaire" entre deux poles antinomiques: science et poesie. A travers tous ses ouvrages, Bachelard lui-meme se definit comme philosophe, et ses philosophies des sciences et de l`imaginaire constituent les deux composantes de force du “mystere d`un seul Bachelard en deux personnes". Chez Bachelard, le dualisme de ces deux axes est tres apparent. Selon le philosophe, la Psyche a deux poles, masculin et feminin: les concepts et les images, lequels se forment autour de ces deux poles opposes de l`activite psychique que sont la raison et l`imagination. Au-dela de la dualite, on a souvent indique l`unite qui traverse a la fois la philosophie des sciences et de la philosophie de la poesie. Tout en appreciant leur effort d`unification, il faut cependant noter que certaines de leurs theses sur l`unite ne sont pas suffisamment convaincantes en tant que telles. La coupure radicale entre l`axe scientifique et l`axe poetique etait legitime et indispensable au temps de Bachelard. Celui-ci s`insurge contre la tendance dominate comme le positivisme. Et le dualisme de deux axes serait une sorte de strategie de sa resistance. Mais aujourd`hui l`on assiste a un nouveau mouvement: "le temps des retrouvailles" entre la science et la poesie a commence. La reconciliation entre les deux axes se realise, et la distance que Bachelard conservait toujours entre les deux diminue d`annee en annee.

베케트의 『오 아름다운 날들이여』의 극작술 연구

이영석 ( Yong Seog Lee )
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Dans Oh les beaux jours de Samuel Beckett, l`espace scenique, le temps, la decoration, les objets, les effets sonores se confondent avec la parole et le geste des personnages pour construire le sens insolite et pour souligner le sens de la quotidiennete de la femme. Dans le cadre d`une etude de l`objet du theatre beckettien, ce sont a l`evidence les objets destines a figurer l`identite de la femme sur le plateau qui sont les moyens les plus importants de prouver l`existence du personnage. L`une des caracteristiques radicales qui marquent l`evocation des objets dans cette piece est sans doute la theatralite. Surtout, l`objet de cette piece, element essentiel du langage dramatique, deviendrait alors la metaphore des themes abordes qui, sans lui, risqueraient de n`avoir aucun interet, aucune attraction sur le plan dramatique. En ce sens, l`accessoire comme objet participe de facon active et passive de l`intrigue de la piece. Le jeu du personnage avec les objets quotidiens est donc un des moyens d`exister. La deficience des reperes linguistiques susceptibles de renseigner le public sur le sens exact des paroles et l`intrusion dans le discoours d`une gestuelle avec, entre autre, un tube de dentifrice comme objet scenique, creent tout un jeu polysemique a l`origine d`une grande dynamique. En effet, rien n`est plus deconcertant que la parole theatrale beckettienne. L`ambiguite et la polysemie qui marquent la parole des personnages concernant la memoire relevent de la perte de l`identite. Mais son theatre est surtout art de l`espace insolite et du temps absurde. Et c`est meme grace de la dimension spatio-temporelle qu`il prend toute sa force dramatique. Etablissant une sorte de lien metaphorique entre l`espace scenique et l`identite du personnage, Beckett propose une image concrete et symbolique de la viduite du monde. Dans Oh les beaux jours de Samuel Becket, veritable problematique, le temps devient une combinatoire ou dramaturgie, theme et philosophie fusionnent. Le temps derange, deregle et destabilse. La realite des personnages est travaillee par la perte dans une position verticale a l`image de Winnie, enterrree jusqu`au taille dans la mamelon. Son corps est prisonnier de l`espace scenique.

베를린 샤우뷔네의 연극혁신

장은수 ( Eun Soo Jang )
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Das großte Ereignis in der deutschen Theaterszene im Jahr 2000 war wohl der Direktionswechsel an der Berliner Schaubuhne. Der junge Regiestar Thomas Ostermeier und die Choreographin Sasha Waltz, die sich uber lange Zeit in der Off-Theaterszene ihre Namen gemacht hatten, ubernahmen die Direktion. Sie erklarten programmatisch Tanz und Schauspiel zu gleichberechtigten Partnern und entstaubten das fast vergessene Mitbestimmungsmodell der alten Schaubuhne: "Wir mussen neu anfangen”, verkundeten sie in einer Art Manifest. Ein “neuer Realismus” sei vonnoten, der die Verbesserungsfahigkeit der Welt vor Augen fuhren solle. Damit verpflichteten sie sich zu politischem Theater. Mit dem Stuck Korper, dem ersten Teil ihrer Korper-Trilogie, eroffnete Sasha Waltz die erste Spielzeit an der Schaubuhne. Es war eine Hommage an die Architektur des Theaters. Nach funf Jahren der Zusammenarbeit an der Schaubuhne verließ Sasha Waltz das Theater und arbeitet seitdem wieder frei mit ihrem Kreis Sasha Waltz & Guests im Radialsystem V. Thomas Ostermeier, der heute allein die Direktion weiterfuhrt, versucht den seit Stein verlorengegangenen Beinamen “Zeitgenossisches Theater“ erneut mit Inhalt zu erfullen. Seine Theaterreform besteht in dem Versuch, seinen eigenen Weg zu finden, indem er die Tradition des Theaters fortfuhrt, das einst als revolutionare Aktion gegen das herrschende System anfing.
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