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프랑스 문화연구검색

ASSOCIATION CULTURELLE FRANC0-COREENNE


  • - 주제 : 인문과학분야 > 서양사
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 계간
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1229-697X
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 17권 0호 (2008)

영화 『아멜리에』의 서사구조 분석 -『신데렐라』와 비교를 중심으로

김종기 ( Jong Guy Kim )
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Plusieurs motifs dans Le Fabuleux Destin d`Amelie Poulain peuvent etre consideres comme ceux qui constituent en general les contes de fees : la mere decedee en bas age de l`heroine, sa vie solitaire et difficile, ses actes de bonte pour des personnages de son entourage, son pere dans une relation oedipienne, la rencontre avec un prince charmant surtout par l`intermediaire de quelque chose, ses fuites repetees a chaque moment de leur rencontre, le heros etant a la recherche de l`heroine et enfin un heureux mariage. Il se peut alors que dans la perspective narrative, l`histoire de ce film ressemble manifestement a celle du conte de fees, surtout de Cendrillon. L`analyse des personnages a travers l`identification d`Amelie a l`eau et la fonction symbolique de ses ricochets echafaude, au plan psychanalytique nous semble-t-il, une metamorphose de la narration du conte de fees : signification euphorique de l`eau courante et dysphorique de l`eau dormante. Et les relations des personnages autour de l`heroine de ce point de vue revelent divers etats d`alienation atroces a l`epoque moderne. Il est vrai qu`au plan de la structure narrative l`introduction et la clausule du recit filmique s`inscrivent si detaillees et si descriptives qu`une certaine realite de l`histoire se met au point : elles ne montrent pas en apparence la fonction de celles d`un conte de fees. L`aspect ironique de ces parties, analyse du point de vue discursif, explique cependant une fonction d`ancrage, pareille a celle d`une introduction du conte de fees, formule du genre : “Il etait une fois….” Dans le cadre de la structure narrative ainsi supposee, se compare en detail la narratologie du film avec celle de Cendrillon. Cela nous devoile des elements metamorphiques dans le film, ainsi que la relation oedipienne entre Amelie et son pere, la raison de la mort prematuree de sa mere, Duphaiel et Jina comme fee ou mere- marraine, Nino comme prince. Et pour exprimer cela sont utilisees diverses techniques narratives et cinematographiques, des effects speciaux et de distanciation entre autres. Enfin c`est dans le cadre de la construction thematique de ce film que la structure narrative de deux genres s`avere identique. L`analyse psychanalitique de l`heroine, appuyee sur celle de Cendrillon, interprete ses fuites comme une ambivalence d`une jeune fille entre Id et Ego au sens freudien du terme, vis-a-vis de la masculinite d`un cote, et en rapport avec la relation oedipienne de l`autre cote. C`est ici ou s`interprete comme la fameuse pantoufle de verre ‘l`album de famille’, non seulement parce que Nino retrouve Amelie grace a cet album, mais aussi parce qu`Amelie y presente d`avance sa sexualite feminine : une photo de nombril comme sa trace. Et Nino deviendra un heros dans un conte de fees, deguise en quelqu`un de drole, parce que des photos d`identite ratees, dechirees et jetees dans la rue symbolisent de facon discrete des personalites en etat d`alienation. C`est pour cette raison que son acte de faire un ‘album de famille’ avec ces photos le rend heroique, dans la modernite d`une grande ville comme Paris, ou se repandent la solitude et l`incommunicabilite. L`alienation ou le deconstructivisme lie a la societe moderne s`installe deja au plan philosophique ou sociologique comme un theme tres banal et tres repandu, donc rien de nouveau. Ce film ne presente donc pas les etats de ce theme en tant que tel, mais comment les surmonter avec la reconciliation humanitaire et surtout l`amour, dont la valeur familiale est primordiale. Il ne faut cependant pas oublier que tout cela se fonde sur le merite cinematographique de ce film : fantaisie, reverie et imagination enfantines, exprimees en profondeur par des techniques filmiques, et consituees de la narratologie du conte de fees, surtout de Cendrillon.

프랑스 필름 느와르의 여성 혐오 연구 - J-P. 멜빌의 영화를 중심으로-

최춘식 ( Choon Sik Choi )
6,400
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Depuis le milieu des annees cinquante, les romans francais de ≪Serie noire≫ commencent a avoir du succes aupres du public, et les films realises a partir de la litterature noire se multiplient dans l`Hexagone. Les roman de Giovanni et de Pierre Lesou et le film de Melville restent un exemple representatif, surtout reussi, du courant. Avec Bob le flambeur, un film de gangsters qui ne ressemble pas aux ≪Serie noire≫ alors realises a la chaine, Melville inaugure une ligne qui lui est personnelle : des films moraliste desabuse, qui exaltent une image qui serait desuete si elle ne composait une mythologie de la virilite et des societes d`hommes. Notre etude part de l`hypothese que les film noir de Jean-Pierre Melville gardent la conscience du mepris visceral pour la femme, qui est connu comme l`aspect unversel dans le film noir americain. Alors on a constate qu`il y a quatre type du mepris visceral pour la femme dans les films de Melville ; 1) L`insulte symbole et l`elimination de la femme noire dans la narration de Le Doulos 2) La garde de la distance en femme noire dans Le Deuxieme Souffle 3) L`absence de la femme dans l`univers de personnage masculin qui est une des caracteristiques le plus marquantes de Le Samourai 4) Le fetichisme ou la valeur d`echange dans Le Cercle Rouge Tout en reprenant les elements de l`archetype du film noir americain, Melville n`en laisse pas moins sa signature en tant qu`auteur. Il occupe une place unique dans le film noir francais. La mise en scene creative des personnages rend original l`oeuvre de Melville.

보드리야르와 현대예술(2)

배영달 ( Young Dal Bae )
5,900
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Pour Baudrillard, l`art est une forme. L`art est fondamentalement de la forme. Heureusement, on croit quand meme que la forme persiste sous forme d`exception radicale. Certainement, on ne desire pas regresser vers un objet reel. L`art nous interesse en tant qu`objet, d`un point de vue anthropologique ; l`objet, avant toute promotion de sa valeur esthetique, et ce qu`il en est apres. On a presque la chance d`etre dans une epoque ou la valeur esthetique, comme les autres d`ailleurs, bat de l`aile. Selon Baudrillard, C`est une situation originale ou nous vivons dans le transesthetique. Que se passe-t-il quand on n`a plus le systeme de valeurs apte au jugement, au plaisir esthetique? L`art n`a pas le privilege d`echapper a cette provocation, a cette curiosite. Car l`art a le monopole d`une espece de valeur transcendante. D`un point de vue de Baudrillard, l`art contemporain est tombe dans la valeur, et malheureusement a un moment ou les valeurs en ont pris un coup. Valeurs : c`est de la valeur esthetique, de la valeur marchande. Finalement l`art s`est change en valeur. Or donc, la valeur se negocie et s`echange. Les formes, en tant que telles, ne s`echangent pas contre quelque chose d`autre, elles s`echangent entre elles, et l`illusion esthetique est a ce prix. L`art peut avoir encore une tres grande puissance d`illusion. Mais la grande illusion esthetique est devenue une desillusion. Il nous semble que ce n`est pas le probleme, sinon qu`au bout d`un moment elle tourne a vide. L`art peut devenir une espece de temoin sociologique, ou socio-historique, ou politique, Il devient une fonction, une sorte de miroir de ce qu`est effectivement devenu ce monde, de ce qu`il va devenir. On va peut-etre plus loin dans la verite du monde et de l`objet. Mais l`art n`a jamais ete question de verite, bien entendu, mais d`illusion. L`art contemporain devra s`efforcer de faire la possibilite de creer l`illusion du monde, et de chercher la forme radicale d`illusion par-dessus la forme esthetique.

프랑스 뮤지컬 ≪Notre-Dame de Paris≫의 구성 연구

김균형 ( Gyun Hyeong Kim )
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Le musical francais ≪Notre-dame de Paris≫, est monte sur la scene du monde entier depuis 8ans, et le nombre de tout le spectateur qui l`a vu depasse plus de 10 million. Pourquoi tant de spectateurs ont voulu participer au spectacle? Qu`est-ce qui est fonctionne comme l`aimant pour tirer le public vers le spectacle? On peut dire que c`est grace a “well-made” structure du spectacle. Cela signifie que ≪Notre-Dame de Paris≫ est atteinte a un tel point que d`autres spectacles peuvent etre montes sur la scene a la maniere de ≪Notre- dame de Paris≫. Quels sont donc les points specifiques qu`on peut dire exemplaires dans le spectacle? Premierement on peut dire l`adaptation du texte originaire. En fait le scenariste, Luc Plamondon, a travaille dans la direction ou, surtout, la tragedie du texte originaire est bien devoilee et renforcee. D`ailleurs nous pouvons trouver un role qui n`existait pas a l`oeuvre originaire de Victor Hugo. C`est l`existence de commentateur qui est assume par le role de Gringoire. Par la presence de ce role, le musical prends une autre dimension: le temps et le lieu se transforment en Ici et Maintenant. Deuxiemement il faut estimer le travail des equipes specialises dans leurs sections. La musique conduit le public par son tempo et rythme au point desire, la scene assume le role d`expliquer la situation au fur et a mesure, la lumiere donne l`ambiance au spectacle entier. Pourtant le caractere specifique de ≪Notre-dame de Paris≫ se degage de l`utilisation a la troisieme dimension de la scene. En fait tout ce qui se trouve sur la scene, y compris le decor, est continuellement utilise par les acteurs, pourtant cela n`est pas l`occasion de tous les spectacles. Par cette utilisation, la scene, en sortant d`etre decor, devient une part active de spectacle. Troisiemement comme dans tous les arts du spectacle, le plus important est l`acteur, celui-qui monte sur la scene, ce dogme n`est pas hors la loi dans le musical. Ce dernier est toujours l`art de l`acteur. Dans ≪Notre-Dame de Paris≫, tous les acteurs ont tres bien execute leurs roles avec leurs chansons destinees pour eux. Le jeu de l`acteur dans le spectacle est particulier par son caractere a double : l`acteur joue a la maniere stanislavskienne et en meme temps brechtienne.

앙드레 말로의 『정복자』에서 살펴본 삽화들의 평행관계

서명숙 ( Myung Sook Suh )
5,400
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Dans Les Conquerants, comme dans les autres romans d`Andre Malraux, nous pouvons constater sans difficulte que certains episodes reviennent a plusieurs reprises ou s`interrompent brusquement pour etre repris plus loin, laissant entre eux des lacunes. Ainsi, l`intrigue du roman semble, au premier abord, desordonnee, d`ou l`impression desorientee de son lecteur. Pourtant, cette complexite et cette discontinuite nous feraient egalement le plaisir de comprendre les allusions et de suppleer aux lacunes du texte. Dans cette perspective, nous essaierons d`etudier des episodes concernant les souvenirs de Garine, heros du roman. Bien qu`il existe peu de concordance apparente entre les episodes eloignes l`un de l`autre, le retour cyclique et la variation d`un motif de la ‘parodie’ nous revelent leur correspondance interne et le parallelisme de ces episodes. Dans le premier episode, le jeune Garine, apres une experience de proces qui lui a fait la sensation d`une parodie, a savoir celle de l`absurdite de l`ordre social, il se laisse convaincre que l`emploi le plus efficace de la force sera ‘une raison qui ne soit pas une parodie’. L`aspiration de Garine a la puissance l`amene a Canton, theatre de la revolution chinoise contre l`imperialisme anglais. Il y dispose d`une force dont il revait tant et neglige sa maladie tropicale. Alors que son entourage lui conseille de quitter Canton, il n`arrive pas a se decider. C`est dans ces circonstances qu`il raconte son souvenir de la ‘procession extraordinaire’ autour de laquelle une foule fanatique imitait l`autodafe de la revolution. A travers ce deuxieme episode, Garine semble comprendre que, cette fois, on ne peut jeter dans le feu ni la revolution, ni la maladie et que tout effort pour lutter contre l`absurdite serait une parodie. Dans son troisieme souvenir, Garine decrit l`image d`un viol collectif deguise en ceremonie solennel de mariage. Ici, il demontre l`evolution de sa connaissance sur l`absurde humain en citant la phrase de son pere : “Il ne faut jamais lacher la terre.” En ce disant, il confirme qu`en fin de compte, c`est la certitude et la hantise de l`absurde qui doivent nous permettre une ‘vraie vie’. Ainsi, les presents travaux nous amenent a conclure que la structure des Conquerants se montre desordonee mais coherente.

아르토 르 모모(le Momo): 광기의 한 형식

박형섭 ( Hyung Sub Park )
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Antonin Artaud, psychotique, est l`embleme du genie fou qui a conserve une production litteraire et poetique de tres bonne qualite jusqu`a sa mort. Cette etude est une recherche sur la folie d`Artaud le Momo: Son psychose, la poetique de la folie, la scene de la cruaute, les poids de la chair, l`infini dans la creation. Artaud n`en finit pas d`avoir besoin de l`opium pour attenuer ses souffrances. Mais il est un acteur du theatre de la cruaute. A la suite d`une aggravation de son etat delirant, il est interne 9 ans a Ville Evrard puis a Rodez. Pendant ce temps-la, il a a beaucoup travaille a ses “cahiers de Rodez”. D`ou l`importance de ce tome XXVI de ses Oeuvres completes ou l`on peut lire ses notes, ses developpements sur le sujet, pour lui capital, de sa biographie. Artaud, figure du genie fou? Oui, c`est au sens ou son delire avait une coherence personnelle et fondamentale. Un penseur? Oui, fondamental, mais qu`aucun philosophe ne saurait mesurer. Deleuze restera fidele a l`inspiration venue d`Artaud et proposera meme d`≪en finir avec le jugement≫ et de ≪corps sans organes≫. Foucault ne fera plus de reference a l`ecrivain, qui fut une figure majeure de ses textes des annees 60 sur la transgression et la folie. Il est au cœur de la barbarie du XXe siecle, captant son energie noire comme personne du fond des asiles d`alienes. Mais avant tout : un rythme, un choc, une voix, une profondeur graphique qui ne nous quittent plus une fois que nous les avons rencontres et vraiment eprouves.

이오네스코 연극과 여행

한지선 ( Ji Sun Han )
5,900
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Les premieres œuvres d`Eugene Ionesco se caracterise par la doute fondamentale du langage. Mais sa creation theatrale est sous le nouveau changement au travers de la representation des sequences proprement oniriques. L`onirisme qui signifie le reve et le fantasme est l`aventure profonde de la conscience et aussi une source inepuisable de l`inspiration. Dans cette perspective, l`onirisme est l`autre nom du voyage. Donc on peut dire que le voyage constitue un des themes du theatre de Ionesco. Ses textes abondent en personnages qui voyagent ou egarent sans cesse. Et puis au cœur de leurs voyages, il y a une nostalgie essentielle d`≪ailleurs≫ pour retrouver la vraie vie au-dela d`≪ici≫. Cette nostalgie peut prendre plusiers formes : errance sans but, voyage imaginaire ou mythique, envol pour l`Anti-Monde, quete de la Mere, poursuite du bonheur, recherche de l`absolu etc. L`auteur sejourne avec sa sœur a la Chapelle-Anthenaise, un petit village de Mayenne. Le Moulin ou il habite est la campagne de la plenitude eclatante et ce lieu est toujours pour lui comme l`image d`un paradis perdu. On le retrouve dans le theatre : un jardin ou une ville de la lumiere que ca veut dire la joie, l`emerveillement, la certitude d`etre et la grace. Pour Ionseco, une de ses raisons d`ecrire, c`est le besoin de trouver le mirage de l`enfance et de chercher la lumiere paradisiaque de l`enfance. Toute sa vie, a la recherche de cette lumiere, l`auteur s`egare entre ici et ailleurs, entre le neant et l`absolu. C`est un voyage qui n`aboutit nulle part. Il en va de meme pour des personnages de l`auteur. Jean, un nouveau personnage qui succede a Berenger sort du nid et decide de retrouver un moment de l`euphorie. Mais dans La Soif et la Faim, il se resigne au suplice penible comme Tantale. Depuis cette œuvre, la recherche de l`absolu se transforme en quete de la Mere. Dans Voyages chez les morts, Jean entreprise de retrouver sa mere au-dela de la tombe mais la culpabilite qui l`hante se repete continuellement dans le monde labyrinthique. Quel que soit l`objet de la quete, le voyage chez Ionesco s`approche finalement du salut par la litterature.
5,800
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Samuel Beckett presente la situation absurde de l`etre humain en donnant une idee douteuse au sujet du Christianisme au theatre. Le but de cette etude est d`expliquer la vision tragique presentee dans le theatre de l`absurde de Beckett. C`est a travers le theme chretien dans En attendant Godot que sera menee l`etude. Dans la premiere partie, nous analyserons le developpment du theatre : appliquer certains principes, notamment la repetition et la circulation qui sont impossibles dans evolution d`une histoire vers un denouement. Ainsi renverser l`eschatologie qui a la notion de temps lineaire et oriente. Puis, dans la seconde partie, nous etudierons la metaphore sur la Bible : suggerer l`absurde du Salut par l`histoire des larrons de l`Evangile et Godot. Dans la derniere partie, les signes de la chute : suggerer ce qui ne progresse pas vers la venue de Godot, le retour du Messie et le moment de la fin des temps. Nous les observons egalement dans l`attribut de Pozzo, les elements symboliques qui ont perdu la gloire et le divin, la chute de Pozzo et son appel a l`aide rabaisser la dignite divine. Nous faisons ensuite allusion au doute de Salut, voire, la crise du Christianisme. En conclusion, le theme chretien dans En attendant Godot est utilise pour le sens douteux au sujet du Christianisme, et presente la situation tragique de l`etre humain dans le monde domine par l`absurde.

Pierre Corneille와 Thomas Corneille의 극작법 비교

조만수 ( Man Soo Cho )
5,800
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Devant le nom de Thomas Corneille et ses oeuvres, on mettait toujours l`etiquette de son frere aine appele ‘le Grand Corneille’. Gustave Reynier, auteur d`une etude sur les oeuvres de ‘Corneille le jeune’ avait classe corneliennes quelques tragedies de Thomas : La Mort de Commode, Stilicon, Camma, Maximian, Laodice, La Mort d`Annibal. Le but de cette etude consiste a verifier l`influence de Pierre sur Thomas sur le plan dramaturgique. Nous comparons Laodice a Rodogune et La Mort d`Annibal a Nicomede. Bien que les deux ecrivains traitent la meme source, la facon dont ils developpent l`action est tout a fait differente. Dans la dramaturgie de Thomas Corneille, ce qui compte est le retournement de l`action par la peripetie et la reconnaissance qui font le coup de theatre. Nous definissons cette dramaturgie qui souligne effet de surprise comme la dramaturgie de merveilleux. Le merveilleux rend l`extraordinaire vraisemblable. Thomas Corneille n`analyse pas le conflit interieur de Laodice ou de Nicomede. Il les fait affronter une situation paradoxale seulement au denouement. Pour Pierre Corneille, l`esthetique repose sur le sentiment tragique qui est le sublime. Le dramaturge met le heros dans une situation tragique des le debut de piece. La situation reste bloquee et le pathetique se cree de facon continue. Dans une telle situation, l`action se deroule a l`interieur de l`ame du heros. Au lieu d`etre reculee et enfermee dans la catastrophe, le sentiment tragique est suscite par la totalite du conflit.

로제 플랑숑의 연출론 고찰 -몰리에르의 『타르튀프』를 중심으로-

박동혁 ( Dong Hyuk Park )
7,100
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Comedien, metteur en scene, auteur dramatique et realisateur de films, Roger Planchon est une figure majeure de la decentralisation theatrale. En 1952, il ouvre le Theatre de la Comedie, premier theatre de creation fixe au coeur d`une ville de province. En 1972, Roger Planchon s`associe a Patrice Chereau. Ensemble, ils font du Theatre de la Cite un foyer de creation theatrale unique en France et se voient confier le soin d`illustrer l`embleme du Theatre National Populaire. Pour lui, le theatre est le meilleur moyen de realiser des actions populaires en faisant decouvrir au peuple les classiques. Planchon note d`abord que nous questionnons les classiques, mais a la fois ils nous repondent et nous nous repondons a travers eux. En choisissant de donner priorite a la fable, Planchon complete en sourdine; au sens que la lecture degage, ce que ma lecture degage. Il n`y a pas a chercher le nouveau. Ce nouveau nait de lui-meme si la lecture devient la plus plausible, la plus achevee de l`epoque parce qu`elle a emmagasine les possibilites que la science de la lecture offre. La notion de tradition disparait. Ou bien elle devient: invention. Cette lecture n`est pas autonome. Elle s`insere dans une position adoptee a l`egard des oeuvres dites classiques et du theatre. Choisir de faire jouer une piece classique, c`est en quelque sorte porter un jugement sur le theatre ancien. Le commentaire de Roger Planchon sur sa mise en scene du ≪Tartuffe≫ remarque tout d`abord l`impossibilite de rendre compte d`une mise en scene. Parce que la representation reste insaisissable, elle est toujours unique, les acteurs ne sont pas egalement ‘bons’. Aujourd`hui il existe des interpretations toutes fondees sur l`analyse du texte, qui s`efforcent de repondre a la question: qui est Tartuffe? Mais Planchon arrete son regard pour se poser une autre question: Que fait Tartuffe? C`est-a-dire qu`il pense que les faits et les actes du personnage montres dans une oeuvre sont essentiels. Mais ce principe n`est pas une nouveaute, cela vient d` Aristote. ≪Tartuffe≫ de Planchon aussi nous faisait voir, de facon un peu psychanalytique, l`homosexualite inconsciente de la relation d`Orgon et Tartuffe. Et le spectacle developpe egalement une dramaturgie politique. Le remarquable, avec le ≪Tartuffe≫ de Planchon, c`est qu`il exploite avec la plus grande subtilite les silences, les ambiguites, les ouvertures de sens de Moliere lui-meme. Mais il n`exprime plus autre chose que ce qui est dit dans la piece: il se refugie derriere Aristote, derriere sa ≪Poetique≫, pour se refuser de conclure a la place de l`auteur, car celui qui parle, au theatre, c`est lui.
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