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COMPARATIVE LITERATURE


  • - 주제 : 어문학분야 > 기타제어문
  • - 성격 : 학술지
  • - 간기: 연3회
  • - 국내 등재 : KCI 등재
  • - 해외 등재 : -
  • - ISSN : 1225-0910
  • - 간행물명 변경 사항 :
논문제목
수록 범위 : 73권 0호 (2017)

조선 전기 계회도와 이행(李荇) 계회도 시의 비교 양상 및 상보성

권정은 ( Kwon Jung-eun )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 5-32 ( 총 28 pages)
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이 논문은 조선전기 계회도와 당대의 유명 문인 이행이 남긴 계회도 시를 대상으로 계회 문화의 특징과 의의를 살펴본 것이다. 현재 기록이 남아 있는 우리나라 최초의 계회는 고려시대 최당(崔?, 1135~1211)이 결성한 ‘해동기로회’로, 이때부터 계회에 참석했던 인물의 모습을 그림으로 남기는 전통이 형성되었다. 그런데 조선 전기에는 정치적 부침 속에 신진 관료인 낭관(郎官)을 중심으로 완전히 새로운 형태의 계회와 계회도가 마련되었다. 조선 전기 계회도는 인물화의 성격을 지녔던 고려시대의 전통와 결별하고 새로운 양식을 수립했다. 중국 백거이의 ‘향산구로회’와 같은 관습적 양식을 뛰어넘어, 계축형식의 전형을 마련했던 것이다. 그리고 이들 조선 전기의 계회도는 여타의 그림과는 달리 인명록과 산수화를 동시에 배치하는 개방적 수용성을 통해 기록과 감상이 가능한 작품이 될 수 있었다. 산수화는 당시에 유행했던 회화의 주류를 반영한 결과인데, 화면속에 당시 회합을 연상할 수 있는 장면을 포함하여 계회의 기록이라는 계회도 본연의 취지에 부합하는 것을 확인할 수 있었다. 그리고 계회도를 읊은 시는 그림의 이면에 놓인 함의를 부각시켰다. 특히 이행의 시는 제목에서 ‘계회도’라는 용어를 명시하고 있으며, 보다 전형적이고 실질적으로 계회의 정체성을 드러낼 수 있는 단서를 포괄함으로써 그 특징을 분명히 나타냈다. 더불어 이행은 그림과 함께 시가 어떤 역할을 할 수 있는지 동시에 부각시켰는데, 결국 같은 목적을 위해 각기 장르적 장점을 드러내는 그림과 시의 상보적 기능을 통해 조선 전기독자적인 계회 문화의 전통은 확고하게 자리를 잡을 수 있었다.

「생산자로서의 작가」: 발터 벤야민이 읽은 소비에트 팩토그래피

김수환 ( Kim Soo-hwan )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 33-55 ( 총 23 pages)
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이 글의 목적은 발터 벤야민의 에세이 「생산자로서의 작가」(1934)에서 인용되고 있는 세르게이 트레티야코프(S. Tret’iakov)의 작전작가(operative writer) 모델의 역사적 유래와 맥락, 이론적 의의를 규명함으로써, 1930년대 벤야민의 사유에 미친 ‘소비에트의 그림자’를 밝혀내 보려는 것이다. 트레티야코프는 1930에서 1931년까지 약 6개월 간 독일에 머물면서 베를린을 포함한 여러 도시에서 순회강연을 가졌는데, 이 강연에서 집단농장 거주 작가로서의 경험에 기초해 만든 작전작가의 모델을 상세히 설명했다. “조직화 능력”을 지닌 채 질료의 삶에 직접 “개입”해 들어가는 새로운 작가 유형을 뜻하는 이 모델은, 벤야민에 의해 파시즘의 위협 아래 놓인 베를린과 파리에서 뒤늦게, 그러나 때맞춰(late, in time) 되살아났다. 벤야민의 사유에 미친 소비에트의 그림자는 브레히트의 영향 이전에 이미 모스크바 여행에서 그 최초의 형태를 갖추었던 바, 그것은 ‘모스크바를 통해서 베를린을 볼 수 있도록’ 하는 일종의 렌즈로 기능했다. ‘벤야민이 읽은 팩토그래피’라는 이론적 가설은 최소한 1927년 이후의 벤야민이 저 특별한 ‘모스크바의 렌즈’를 착용했다는 사실을 입증해준다.

L'Afrique comme topos de l'ecriture epique chez Laurent Gaude

SimonKim ( 김시몽 )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 57-74 ( 총 18 pages)
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Laurent Gaude is a young writer living in Paris. He was awarded with two of the most important literary prices in France, the Prix Goncourt in 2004 and the Prix Goncourt des lyceens in 2002. The novel that first brought him to fame, La mort du roi Tsongor (The Death of King Tsongor), as well as the plays he wrote at the same period, Salina and Medea-Kali, are all set in a familiar and yet imaginary Africa. This paper aims at revealing why Africa was the necessary setting for these works as they attempt to pay tribute to the epic poems of Ancient literatures. The Africa Gaude uses as the background for his stories is to some degree a very fantasized Africa ; it has more to do with the idea Western culture has of a primitive Africa than with an actual observation of what the African continent is or has been. This Africa, seen as the craddle of mankind, thus becomes the perfect setting for a narrative with many mythological accents. Whereas the Ancient Greece of Western myths belong to our literature’s history, this new African Antiquity can provide a new epic literature, with all its stylistic features. Known for its use of heavy emphasis, the epic style is not fit for a story set in a contemporary Italy, as Gaude tried to do with his 2004 novel, the Sun of the Scortas. This novel was mocked by the critics for its grandiloquent style, for its metaphores and cliches that don’t belong with a contemporary story. Yet this attempt to get the epic genre’s feature out of its quintessential Antiquity reveals that Gaude too is aware of the limits of his African epic tales. For he is on the verge of being guilty of Africanism, a stand inherited from the colonial times, with his Africa having more to do with a Westerner’s imagination and preconceptions than with an actual understanding of the continent. In later novels such as In the Mozambic Night (2007) and Eldorado (2006), Gaude comes back to Africa but with a new perspective, a new understanding of Africa’s contemporary history. He then seek the setting to unfold his epic writing in other aspects of his stories, such as the odyssey-like journey of clandestine migrants or the hurricanes that hit our shores with an almost mythological violence.

복제 이미지의 초상 - 번역과 리메이크

남수영 ( Nam Soo-young )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 75-102 ( 총 28 pages)
6,800
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기계적 복제시대, 이미지는 특별한 양가적 시간성을 지닌다. 이에 주목하면 ‘비매개적인’ 현상으로서 ‘복제’가 불러일으키는 인지와 그에 따른 새로운 인식은, 시각 문화의 영역에서 새로운 의미화의 영역이 될 수 있다. 이를 증명하기 위해, 본 논문은 바쟁(Andre Bazin)의 ‘비순수영화를 위한’ 변명을 화두로, 얌폴스키(Mikhail Iampolski)의 번역과 복제에 대한 구분을 사용하여, 오늘날 활발히 이루어지는 영상매체간 각색이 영화에서 활발한 재매개 현상을 명시하고 번역의 개념이 내포하는 목적론을 타파할 수 있다고 주장한다. 이러한 과정에서 우리는 엘리트 중심의 담론 생산을 해체하는 대중의 통찰력이 확대됨을 추적할 수 있다. 얌폴스키는 번역이 특정 시간과 공간으로부터의 고유함을 유지하려는 시도임에 반해 리메이크의 기본 요소인 복제는 적극적으로 낡은 요소들을 당대적인 것으로 대체한다고 주장하는데, 결과적으로 번역이 철저히 과거지향적이라면 후자는 과거에 대한 기억을 억압하고 현존성을 증명할 대용품들을 끊임없이 제공한다는 차원에서 이미 개선된 현실을 지시한다고 할 수 있다. 이러한 인식으로부터 우리는 오늘날 리메이크가 복제 이미지의 문화, 사회적 의미를 증명하고 있음을 인정하고, 복제에 기반한 창작의 새로운 측면에 주목해야 할 것이다. 이러한 복제는 예술의 유일성에 반하는 복제, 즉 대중화의 일환으로 이루어지는 복제로서, 오늘날 더 이상 익숙하지 않은 것을 다시 낯익게 하는 것이며, 더 나아가 이전에 없던 것을 반복을 통해 인식하게 함으로써, 이전에 없었던 새로운 ‘(재)인식’을 가능하게 하기 때문이다. 한 마디로, 오늘날 ‘소멸’에 대처하는 복제의 시도들은 대중적으로 유통되는 정보를 재평가하며 궁극적으로 문화적 차원의 지적 평등의 가능성을 환기시킨다.

정치적 올바름과 살균된 문화

문형준 ( Moon Hyong-jun )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 103-128 ( 총 26 pages)
6,600
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18세기 미국에서 출현한 이후 1970-80년대를 거치며 성장하고 변모한 ‘정치적 올바름’의 스타일은 좌우파 모두에게 지대한 영향을 끼쳤지만, 현재는 언어와 문화를 통해 편견없는 정체성의 재현을 원하는 좌파들의 중요한 문화적 무기가 되었다. 오래 전부터 정치적 올바름은 그것의 ‘올바른’ 비판의식과는 별개로, 순수함과 올바름과 편견없음에 대한 과도한 열망이 그 자체로 아이러니컬한 검열과 통제를 불러일으킬 수 있다는 비판을 받아왔다. 2016년 강남역 살인사건 이래 페미니즘의 열풍이 강하게 불고 있는 한국에는 특히 소셜 네트워크를 중심으로 정치적으로 올바른 태도가 자리잡은 것처럼 보인다. 가부장적의식이 드러나는 언어 표현에서부터 성폭력에 이르는 다양한 ‘폭로’가 한국의 정치적 올바름에 깃든 한 중요한 특징이 되었다. 그리고 이 정치적 올바름의 태도는 여성차별이라는 실제적 문제와 결합함으로써 그 누구도 비판할 수 없는 신성한 영역 속에 자리잡았다. 조남주의 소설 『82년생 김지영』은 이런 분위기 속에서 베스트셀러에 오른 작품으로, 단순한 전개와 인물설정, 그리고 문학적인 방식이 사라진 르포식 묘사를 통해 문학계 내부보다는 외부에서 큰 반향을 얻었다. 이 소설은 정치적 올바름의 태도가 문학을 잠식하는 한 예로 볼 수 있는데, 이에 대한 비판이 거의 이루어지고 있지 않다는 게 문제라고도 할 수 있다. 정치적 올바름이 정의롭고, 깨끗하고, 올바른 상황만을 지향하는 문화적 경향성을 살균된 문화라고 부를 수 있을 것이다. 모든 오염되고 더럽고 모호하고 애매한 것들이 살균된 자리에 자신들이 믿는 건강하고 정의로운 올바름이 들어선다. 하지만 이 살균된 문화는 사실 병든 문화의 다른 이름이다. 모든 것을 살균시킴으로써 이 문화는 살균된 깨끗함 너머에 있는 체계적이고 구조적인 불평등을 보지 못하게 하며, 올바름을 외치는 ‘나’의 모순과 분열을 인식하지 못하게 하기 때문이다. 기실 문학은 이러한 정치적 올바름의 반대편에서 현실과 주체의 모순을 끊임없이 묘사하고 지적해왔다. 유토피아적 열망이 최악의 암울한 현실을 낳음을 보여주는 디스토피아 서사는 대표적일 것이다. 정치적 올바름의 시대가 가진 모순과 문제를 비판하는데 있어 디스토피아 서사는 유용하며, 우리로 하여금 문학과 예술의 자리란 언제나 분열과 모순의 가운데임을 환기하게 한다.

기호간 놀이가 언어간 경계를 통과하는 전략: 안 에르보의 『쉿, 조용!』을 중심으로

이성엽 ( Lee Sungyup )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 129-154 ( 총 26 pages)
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그림책은 텍스트와 이미지가 떼려야 뗄 수 없는 관계로 엮이어 구축된 도상텍스트이며, 아동독자를 대상으로 하는 아동문학에 속하는 만큼 유희기능과 교육기능을 함께 수행한다. 이 두 가지 기능을 가시적으로 융합시켜 보여주는 것이 바로 ‘말놀이’인데, 이미지와 텍스트 사이의 기호간 관계 위에 구축된 그림책의 경우에는 ‘기호간 놀이’가 이 두 가지 기능을 수행하기도 한다. 본 논문은 벨기에 작가 안 에르보(Anne Herbauts)의 프랑스어 그림책 『쉿, 조용!(Silencio)』의 에필로그에 대한 영어본과 한국어본을 비교함으로써 기호간 놀이에 기반한 에필로그를 도착텍스트로 재생산해내는 전략을 살펴보고자 한다. 먼저, 이 작품의 에필로그의 기호간 놀이가 어떤 글쓰기 전략을 통해 구축되었는지 밝히고, 기호간 놀이가 유희기능과 교육기능을 수행하고 있음을 분석하고자 한다. 그리고 기호간 놀이에 바탕한 에필로그가 도착텍스트에서 어떻게 재구축되었는지 분석하고자 한다. 이를 통해, 대응어 혹은 등가어 표현으로의 대체보다는 기호간 놀이가 바탕한 글쓰기 전략과 의도에 의거해 도착텍스트가 재생산되었음을 밝히고자 하였다.

토니 모리슨의 『낙원』에서 치유와 전복의 메타포로서 수녀원 여성들의 카니발적 행동양식

이영철 ( Lee Young Cheol )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 155-180 ( 총 26 pages)
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본 연구는 토니 모리슨의 『낙원』에서 치유와 전복의 메타포로 나타난 수녀원 여성들의 카니발적 행동양식을 미하일 바흐친의 카니발 주체들의 행동양식에 비춰 논의한다. 이 소설의 여성 작중인물들인 콘솔래타, 메이비스, 지지, 그리고 팰러스는 자율성, 개방성, 이질성, 다양성, 그리고 관능성을 상징하는 바흐친의 카니발적 주제들을 환기시키는 인물들이다. 그들은 인종, 성, 문화, 경험, 그리고 의식의 관점에서 다양한 배경을 가지고 있다. 그런 까닭에, 그들은 ‘8암층’이라 불리는 흑인남성지배사회의 획일적인 인종적·성적 규범에 구속되지 않는다. 그들은 성, 인종, 생각, 그리고 행동에 있어서 개방적이고 포용적이다. 자유분방한 육체적·사회적 교류를 환기시키는 카니발 주체들의 몸들처럼, 그들은 인종적·문화적 다양성의 극복을 통해 지난날의 트라우마를 서로 공유하고 고백할 뿐만 아니라, 서로의 유사성과 차이를 인정하고 상호관계를 만들어간다. 즉 그들은 다양한 행동양식들을 통해 이질성 속의 동질성, 갈등 속의 조화, 모순 속의 일치, 그리고 혼돈 속의 질서라는 역설적·반어적 인간관계를 창조한다. 궁극적으로, 그들의 행동양식은 수녀원을 치유의 낙원으로 만들고, 흑인남성지배사회에 전복적 힘으로 작용한다.
5,900
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Whereas Conrad’s stories generally deal with white men’s supremacy over Others, the two tales―“An Outpost of Progress” and Victory―mocks this superiority by portraying the white men―Kayerts, Carlier, and Heyst―as incompetent characters. Instead, Others such as Makola/Henry Price and Wang are depicted as men of ability. If the white men face miserable deaths because of their isolation and moral corruption, the Others survive because they are able to navigate their surroundings and so do not go through these experiences and survive at the end. However, in spite of the Others’ significant roles, the three filmic versions marginalize them to reestablish a supposed supremacy of the white man. In Walker’s screen version of An Outpost of Progress, there is no Makola, only Henry Price, who is the most trusty and faithful Other for the white men. With the absence of Makola, Walker’s film focuses mainly on depicting the downfall of Kayerts and Carlier, making the film a tragic drama of white colonizers. Likewise, the two screen versions of Victory do not follow Conrad’s intention. In Tourneur’s silent version of Victory, Heyst is portrayed as an active and competent man, and Wang, in turn, becomes insignificant. Wang does not do anything that affects the lives of Heyst and Lena. He is simply dismissed by Pedro in the middle of the film. Tourneur needs to remove Wang and have Heyst be the hero to effect a happy ending―an impossible resolution if the film followed the novel closely. Much like Tourneur’s version, Peploe’s version also portrays Wang as a loyal clerk for Heyst. When Alma, who devotes her life to help Heyst, dies by accident, Wang takes her place to help Heyst pursue his new life. By marginalizing Wang, these two different screen versions do not faithfully reflect Conrad’s intention. Rather, these films try to re-emphasize the supremacy of white men, thus turning Conrad’s stories upside down. In other words, if Conrad wants to turn the imperial project on its head, the directors want to restore this overturned imperial project.

『대동세어(大東世語)』를 통하여 본 일본에서의 세설체 문학 수용

정지원 ( Jeong Jiwon )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 201-221 ( 총 21 pages)
6,100
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지인소설의 창작과 수용 과정에 대해 살펴보던 중, 한국과 일본의 세설체 문학 창작양상의 차이를 발견했다. 두 나라 모두 독서물로 『세설신어』와 세설체 문학을 선호하였으나 한국과 달리 일본에서는 세설체 문학의 창작이 활발했다. 그 이유를 겐로쿠시대의 학문 부흥으로 인한 유학 붐, 오규 소라이 학파의 『세설신어』에 대한 애호, 명나라 때 세설체 문학의 유행의 영향 등에서 찾아보았다. 그 중 효시격인 작품인 『대동세어』는 형식과 내용 측면에서 모두 『세설신어』를 주체적으로 수용한 흔적이 보인다. 체제면에서 『세설신어』의 편목을 거의 그대로 사용하였으나 다섯 편목이 생략되었다. 편목에 맞게 내용을 정리하는 과정에서 작가의 편찬 기준을 볼 때 작가가 의도적으로 몇 편목을 생략했을 가능성이 있다고 추측했다. 내용 면에서는 헤이안 시대의 문학풍토를 바탕으로 하였으나 편찬 기준에서 에도 시대 유학자인 저자의 시각이 반영되어 있다.

정동영화가 추구하는 정동적 잠재성의 인문학적 가치

조성훈 ( Jo Sung-huun )
한국비교문학회|비교문학  73권 0호, 2017 pp. 223-257 ( 총 35 pages)
7,500
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본 연구는 질 들뢰즈(Gilles Deleuze)가 영화론에서 규정한 “정동영화”(the affective film)에서 특징적으로 나타나는 '드러나지 않은 힘'으로서의 '잠재성'(virtuality)의 의미와 그 인문학적 가치를 고찰하고, 잠재성이 영화 예술적 실천들을 통해 표현되는 양상을 추적하고자 한다. 특히 드레이어(Carl Dreyer), 슈테른베르크(Joseph Sternberg), 그리고 브레송(Robert Bresson)의 작품들로 대변되는 정동영화에서 발견되는 이미지들, 즉 사물의 유기적 성격과 기능성이 파괴되어 제시되는 '탈유기적 이미지' 혹은 ‘탈기능적 이미지’에서 도출되는 ‘정동적 잠재성’(affective virtuality)을 집중적으로 고찰한다. 나아가 영화 예술이 일련의 영화적 테크닉을 통해 효율성과 기능성을 제일 가치로 추구하는 효율성중심주의를 바라보고 비판하는 태도와 전략들을 고찰하고, 더 나아가 이러한 사회를 학문적으로 정당화하는 과학기술주의에 의해 훼손된 인문학의 고유한 가치가 삶의 조건이자 건강성을 회복하는 근본적인 힘이며, 오히려 과학기술의 잠재적 토대임을 밝히고자 한다.
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